ЗАРУБЕЖНАЯ МУЗЫКА

Чтобы более подробно узнать о культуре Древней Греции, скачай презентацию и перепиши или вклей конспект:

Эпоха Возрождения или Ренессанс - поворотный момент в истории культуры европейских народов. Значение эпохи Возрождения для европейской культуры настолько огромно, что определило дальнейшее развитие всех областей: от науки до поэзии. Оно стало переходным между Средневековьем и Просвещением, но сделанные за этот период творения делают эпоху Ренессанса по-настоящему особенной. 
Музыка продолжает развиваться по двум направлениям: светской и духовной. 
Распространяется музицирование на различных инструментах, возникают кружки любителей музыки.

Новаторские идеи композиторов эпохи Возрождения, а также появление новых музыкальных инструментов обусловили коренное изменение музыкального искусства - появление оперы. Поэтому конец эпохи Возрождения ознаменовался важнейшим событием в музыкальной истории - рождением оперы.
Первые оперы появились в Италии, во Флоренции на рубеже XVI - XVII столетий. Их авторы были участниками небольшого кружка любителей искусства, собиравшихся в доме поэта, музыканта и покровителя искусств графа Джованни Барди и Якопо Корси. Кружок этот вошел в историю музыки под названием «камерата Барди» или «Флорентийская камерата» (итальянское camerata - кружок, компания). Едва ли не каждый из его членов обладал разнообразными познаниями и талантами. Венченцо Галилей был композитором, теоретиком музыки и знатоком классической древности. Джулио Каччини славился как певец, арфист и автор интересных музыкальных сочинений. Якопо Пери также прекрасно пел, писал музыку и служил придворным органистом. Оттавио Ринуччини был поэтом.
Члены камераты были большими поклонниками античного искусства и мечтали возродить древнегреческую трагедию. По сохранившимся описаниям они знали, что во время представления трагедий Эсхила, Софокла, Еврипида актеры не проговаривали, а пропевали текст, и что там участвовал поющий и танцующий хор. Однако какова была музыка в древнегреческом театре, они не имели ни малейшего представления, поскольку никакого документального материала у них не было. Тем не менее, из высказываний античных философов и поэтов они сделали вывод, что манера исполнения античных актеров представляла собой нечто среднее между пением и обычной речью, и попробовали создать мелодию такого же типа. Результатом их экспериментов было создание речитатива - речевой мелодики. Это была вокальная мелодия полунапевного, полудекламационного характера, предназначенная для сольного исполнения с инструментальным сопровождением.

Материал взят с источника - https://studfile.net/preview/7463986/page:2/

Характеристика творчества 
Иоганна Себастьяна Баха

Фамилия БАХ переводится как "ручей". 
Имя И. С. Баха, записанное обозначениями нот В – А – С – Н, также подразумевает «баховское число».
Иоганн Себастьян Бах считал, что его личным числом является 14. Указание на него имеется и в вензеле личной печати И. С. Баха: 
ему соответствуют четырнадцать лепестков, украшающих внешний контур рисунка.

После смерти жены Марии Барбары композитор встретил новую подругу жизни – Анну Магдалену. Анна Магдалена стала не только заботливой хозяйкой, с любовью принявшей осиротевших детей, но и одарённой музыкантшей. У Анны Магдалены было красивое сопрано, она начала учиться играть на клавире и помогать мужу переписывать ноты. С годами её почерк стал так похож на почерк И. С. Баха, что их трудно было различить. 
Семья И.С. Баха придерживалась традиций XVIII века, когда было принято музицировать и вести домашние альбомы. В такие альбомы записывались стихи и ноты для исполнения и обучения – и оригинальные, баховские, и других авторов. Так появились два больших сборника, которые, объединившись, получили название «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах»

Творчество Баха является вершиной полифонического стиля эпохи барокко. В его творчестве окончательно сформировалась фуга – высшая форма полифонии.
Бах воплотил в музыке богатый и сложный внутренний мир человека, возвышенные и глубокие религиозные чувства. Сохранилось свыше 1000 произведений во всех жанрах того времени, кроме оперы. Мелодиям Баха присуща напевность народных песен и хоралов, инструментальная выразительность. Истоками музыкального языка являются немецкая песня и протестантский хорал. Хоровая полифония эпохи Возрождения. Итальянская и немецкая органная музыка. Итальянская опера и итальянская скрипичная школа. Французская клавесинная музыка.
В творчестве И. С. Баха сложилась тональная система мажора и минора: гармоническая функциональность, главенство тоники, модуляции в пределах мажоро-минорной системы.

Новаторство – традиционные жанры обогатил чертами, заимствованными из других видов музыки. Объединил токкату, фантазию, прелюдию с фугой в двухчастный цикл в органной и клавирной музыке. Создал жанр клавирного концерта. Создал произведения для начинающих музыкантов: инвенции и симфонии, фортепианный альбом «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах» и многое др.

Органное творчество И.С. Баха

И.С. Бах был великим органным композитором, виртуозом-импровизатором. Лучшие произведения для органа написаны Бахом в городе Веймар.
 Список органных произведений: Прелюдии и фуги, токкаты и фуги, фантазии и фуги, пассакалья до минор, концерты для органа, партиты, хоральные вариации, а так же хоральные прелюдии, которые были любимым лирическим жанром И.С. Баха. В основе хоральных прелюдий – протестанский хорал (духовные песнопения не на латинском, а на немецком языке). 
Образы и темы - размышления о человеческих радостях и горестях, о нравственном долге, возвышенном, религиозном чувстве.
Музыкальный язык - красивые и певучие мелодии, тонкий колорит, выразительные сочетания регистров. Технические особенности инструмента давали возможность создавать произведения торжественные, патетические и драматические. И.С. Бах находил разные способы обработки тем: основной напев хорала оплетали другие мелодии, иногда хоральный напев господствовал над другими голосами.

Орган - древнейший клавишно-духовой инструмент, сопровождающий пение во время богослужения. Орган обычно имеет пять клавиатур: четыре мануала (клавиатуры для рук) и одну ножную (педаль из 32-х клавиш). Звуки на органе возникают при нажатии клавиш, которые открывают доступ воздуха в органные трубы. Трубы разной величины, но одинакового тембра образуют группу труб – регистр. Звучание органа отличается монументальностью, разнообразием оттенков и приёмов игры, недостижимых ни на одном другом инструменте.

Клавирное творчество И.С. Баха

Клавирная музыка И. С. Баха – вершина клавирного искусства XVII – XVIII веков. Музыка для клавира создана в основном в городах Кётене и Лейпциге.
Новаторство: Обогатил содержание клавирной музыки. Расширил круг образов, привнеся в неё лиризм и глубокую философию. Трактовал клавир не только как домашний инструмент, но и как концертный. Добиваясь певучести инструмента, реформировал технику игры: вместо обычного в то время использования при игре трёх пальцев, ввёл в постоянное употребление первый и пятый пальцы. Применял систему подкладывания первого пальца под третий и четвёртый, что позволяло продлевать мелодическую линию. Расширил круг жанров, традиционных для этого инструмента.

Под влиянием скрипичного концерта сочинил клавирные концерты, а под влиянием органного искусства – фантазии и фуги, прелюдии и фуги. Клавирные сочинения И. С. Баха имеют педагогическую ценность. Многие из них были созданы для занятий его жены, сыновей и учеников.

Инвенции. Годы создания: 1720 – 1723

И. С. Бах написал пятнадцать двухголосных и пятнадцать трёхголосных инвенций. 
Слово «инвенция» переводится как «выдумка», «изобретение». Инвенция – это небольшая пьеса полифонического склада.
Несмотря на скромные размеры, инвенции разнообразны по содержанию и чрезвычайно выразительны. Каждая инвенция построена на одной теме, которая и определяет основной характер произведения. Тема неоднократно проводится во всех голосах.

Инвенции имеют педагогическую направленность, цель которой – привить ученикам серьёзное отношение к музыке и выработать певучий звук на основе связной игры (legato).

Хорошо темперированный клавир (ХТК)

Годы создания: I том ХТК написан в 1722 году в Кётене. II том – в 1744 году в Лейпциге.
Каждый том ХТК состоит из 24 прелюдий и фуг, охватывающих 12 мажорных и 12 минорных тональностей, расположенных по хроматизму. 
Всего в двух томах 48 прелюдий и фуг по 24 прелюдии и фуги в каждом.
Общая характеристика: 
ХТК называют энциклопедией баховских форм (фуги), образов, мыслей, чувств. В темах прелюдий и фуг ХТК синтезировалась мелодика разных жанров 
и эпох: темы-речитативы, песенные, танцевальные, инструментальные (часто имитирующие приёмы скрипичной, гитарной игры).
Основная идея ХТК:
Утверждение равноправия всех 24-х тональностей: по причине несовершенства настройки инструмента тональности свыше четырёх знаков звучали фальшиво и композиторами не использовались. И.С. Бах писал для клавира новой конструкции, где октава была разделена на двенадцать равных полутонов, то есть равномерно (хорошо) темперирована.
Значение ХТК:
В XX веке ХТК стал образцом для аналогичных циклов прелюдий и фуг во всех тональностях: Прелюдии и фуги Дмитрия Шостаковича, Родиона Щедрина, «Ludus Tonalis» Пауля Хиндемита.

Клавирные сюиты И.С. Баха

И.С. Бах написал шесть Английских, шесть Французских сюит, шесть Партит.
Старинная сюита – многочастное циклическое произведение, состоящее из танцевальных пьес, предназначенных для концертного исполнения или обучения. Основу сюиты составляли четыре старинных танца: аллеманда, куранта, сарабанда, жига.
Цикл основан на принципе контрастного сопоставления танцев (по характеру, темпу, метроритму, фактуре). В единое целое танцы объединяют: тональность, двухчастная форма каждого танца, жанр, контрастность. Часто между сарабандой и жигой помещались другие танцы: менуэт, гавот,
бурре, полонез, лур, паспье. Иногда включались и нетанцевальные пьесы: прелюдии, токкаты, арии и др.

Французские сюиты более скромные по масштабам, чем Английские.

Характеристика творчества Йозефа Гайдна

Основой музыкального стиля композитора было народное творчество, поэтому музыку Йозефа Гайдна относят к жанрово-бытовой. 
Истоки музыкального языка: австрийский музыкальный фольклор; интонации и ритмы немецких, венгерских, славянских, итальянских тем.
Вена была многонациональным городом (Австрию во времена Гайдна называли «Лоскутной империей»). На её улицах звучали немецкие,
итальянские, славянские, венгерские песни и танцы.
Жанры: Симфонии, камерные ансамбли, оперы, оратории, концерты для различных инструментов, произведения для клавира и др.
Новаторство: Йозеф Гайдн создал классические образцы симфоний, сонат, квартетов.

Симфоническое творчество и оркестр Гайдна

Симфония в творчестве Гайдна прошла большой путь: от ранних образцов, близких жанрам бытовой и камерной музыки (серенада, дивертисмент, квартет), к «Парижским» и «Лондонским» симфониям, в которых утвердились классические закономерности жанра (соотношение и порядок следования частей цикла — сонатное Allegro, медленная часть, менуэт, быстрый финал). Им написано свыше ста произведений в этом жанре (104), поэтому Йозефа Гайдна называют "отцом симфонии".
В зрелых симфониях (Лондонских) окончательно сформировалась классическая сонатная форма и сонатно-симфонический цикл.

В своем творчестве Гайдн утвердил основной метод симфонического развития – мотивно-тематическое (выделение из темы короткого активного элемента и его развитие). Обновил и обогатил народными интонациями тематический материал.

В последних симфониях окончательно сформировался состав симфонического оркестра: струнный квинтет (две группы скрипок – I и II, альт, виолончель и контрабас) и группа духовых инструментов, построенная по принципу парности: две флейты, два гобоя, два кларнета, два фагота, 
две валторны, две трубы и литавры.

Симфония № 103 ми-бемоль мажор «С тремоло литавр» — одиннадцатая из двенадцати лондонских симфоний Йозефа Гайдна и предпоследняя в его творчестве. Название «С тремоло литавр» симфония получила благодаря вступлению к первой части. Темы симфонии близки народным немецко-австрийским и хорватским мелодиям. 
Симфония написана для парного состава оркестра (2 флейты, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота, 2 валторны, 2 трубы, литавры и струнные).

Представляю вашему вниманию исполнение Симфонии № 103 Es-dur "С тремоло литавр" под управлением 
нидерландского клавесиниста, органиста и дирижёра Тона Копмана.

Клавирное творчество Йозефа Гайдна

К жанру сонаты Гайдн обращался на протяжении всей жизни. Композитор создал более 50 сонат. 
Жанровая основа крайних частей – народно-танцевальная, а второй части – сарабанда или менуэт.
Сонатный цикл состоит в основном из трёх частей: быстро – медленно – быстро. Некоторые сонаты написаны в двух, реже в четырёх частях.

Гайдн обогатил, обновил тематизм народными интонациями. Выработал типовой аккомпанемент – всевозможные виды фигураций, основанные на движении по звукам аккордов: альбертиевы басы, фигурационные пассажи, ломанные арпеджио. Большое внимание уделял штрихам, динамике, акцентам.

Соната D-dur Й. Гайдн

Соната предположительно создана в 1779 или 1780 году. Она, как и предыдущая ей соната До мажор, посвящена сестрам фон Ауэнбруггер.
Музыке сонаты присущи жизнерадостность, живость, детская непосредственность. Произведение состоит из трех традиционных частей. 
Первая и третья части быстрые, действенные, радостные. Вторая часть медленная, глубоко сосредоточенная, скорбная.

Соната e-moll Й. Гайдн

Соната ми минор - одна из наиболее популярных сонат Гайдна. Написана в 1778 году для клавесина. Состоит из 3-х частей. 
Все средства выразительности (и в том числе серебристый тембр клавесина и его четкое острое звучание) направлены на достижение определенности, ясности, уравновешенности, четкости, яркости музыкального рисунка и музыкального образа сонаты Йозефа Гайдна.

Характеристика творчества Вольфганга Амадея Моцарта

Творчество Моцарта поражает своей многогранностью. Несмотря на короткую жизнь (Моцарт прожил неполных 36 лет), он создал множество произведений во всех существовавших в его эпоху жанрах и формах.
Музыка Вольфганга Амадея раскрывает эмоциональный мир человека, рассказывает обо всех сторонах человеческой жизни – прекрасной, но наполненной конфликтами. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое – всё это в равной степени характерно для музыки великого композитора.

Истоки музыкального языка - Моцарт использовал элементы итальянской, французской, немецкой культур, народного и профессионального театра, различных оперных жанров. Большое влияние на творчество В. А. Моцарта оказала музыка И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, Ф. Й. Гайдна.

Мелодия - Вольфганг Амадей – один из величайших мелодистов. Его мелодии сочетают в себе черты австрийской, немецкой народной песенности и танцевальности с певучестью итальянской оперной кантилены. Для многих мелодий композитора характерны изысканные хроматизмы, задержания.

Гармония - Классическая функциональная (основные функции: T, S, D). Моцарт расширил возможности мажоро-минорной системы (неожиданные, резкие модуляции, смелые тональные сопоставления). Полифония - Важное средство развития в инструментальных сочинениях, особенно в 
разработках сонатных аллегро симфоний и квартетов.

Новаторство - Взаимодействие, взаимопроникновение жанров и стилей. Оперы В. А. Моцарта обогащаются приёмами симфонического развития. Вокальные мелодии интонационно насыщены. Темы в инструментальных сочинениях певучие, декламационно-выразительные.

Оперное творчество Моцарта

Оперный жанр занимал ведущее место в творчестве Моцарта. Он писал оперы на протяжении всей жизни, начиная с одиннадцати лет.  Но высшие его достижения в области оперного творчества относятся к последнему десятилетию (1782 - 1791 годы). 
Моцарт писал оперы разных типов и жанров: зингшпили "Похищение из сераля", "Волшебная флейта", оперы-buffa "Свадьба Фигаро", "Так поступают все", оперы-seria "Идоменей", "Милосердие Тита". Но при этом каждый из жанров Моцарт обновляет и обогащает путем привнесения элементов другого жанра и принципов венского классического симфонизма. Опера "Дон-Жуан", сочетает особенности музыкальной трагедии и 
комедии и не относится ни к одному из этих типов. Сам автор называл ее веселая драма. Таким образом, наряду с К.В. Глюком, Моцарт был величайшим реформатором оперного искусства XVIII века. Он создал иной тип музыкальной драматургии. При этом Глюк стремился подчинить 
музыку драматическому действию, а для Моцарта, наоборот, музыка являлась основой оперы. 
В одном из писем к отцу Моцарт писал, что "в опере поэзия должна быть послушной дочерью музыки". 

Традиционно действие в операх происходило в речитативах-secco (сухой). В вокальной музыке барокко и венской классики использовались такие речитативы, которые обычно сопровождались сухим аккомпанементом и исполняли функцию связок между ариями. При этом в речитативах отражалось драматическое действие, а в ариях - эмоциональная реакция персонажей на него. Одно из главных нововведений Моцарта в операх – перенесение действия из речитативов в арии, дуэты, ансамбли. Особенность ансамблей в том, что каждый из участников сохраняет свою интонационную индивидуальность.

Опера "Свадьба Фигаро"

Жанр - опера-буффа. 
Литературный источник - опера написана по комедии французского драматурга Пьера Бомарше "Безумный день или Женитьба Фигаро"
Либретто написал итальянский либреттист и переводчик Лоренцо да Понте. Русский перевод либретто осуществил П.И. Чайковский.
Премьера оперы состоялась в Вене 1 мая 1786 года и не имела большого успеха. Подлинное признание опера приобрела только после постановки в Праге (Чехия) в декабре 1786 года.
В основе сюжета – комические ситуации, недоразумения, переодевания. Яркие, реалистичные характеры, созданные В. А. Моцартом, не типичны для жанра оперы-буффа. Лишь некоторые персонажи комичны, например Марцелина, Бартоло.
Особенности оперы - в опере соблюдается классическое триединство времени, места и действия.
Структура оперы - в опере четыре действия.
Все события происходят в течение одного дня в замке графа Альмавивы близ Севильи (Италия). 

В «Свадьбе Фигаро» переплетается комедийное и серьёзное. Несмотря на калейдоскоп комедийных ситуаций, вся опера проникнута мягкой поэтической лирикой.

Оркестр - многие сольные номера начинаются большими оркестровыми вступлениями. 
Оркестр объединяет в единое целое разнохарактерные партии участников ансамблей.

Действующие лица:
Фигаро – слуга графа (баритон)
Сюзанна – горничная графини (сопрано)
Граф Альмавива (баритон)
Графиня Розина –жена графа (сопрано)
Керубино – паж (меццо-сопрано) 

Камерные произведения и клавирное творчество Моцарта. Соната № 11 Ля мажор

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями от дуэтов до квинтетов, с участием фортепиано и без него, для одних струнных и для струнных с духовыми инструментами. В его квартетах и трио особенно сильно сказалось влияние Гайдна. Знакомство двух великих композиторов состоялось в 1786 году, но музыку Гайдна Моцарт узнал и полюбил еще раньше. В знак глубокого уважения к музыкальным заслугам своего старшего современника Моцарт посвятил ему шесть квартетов (написаны в 1782—1785 гг). При этом Гайдн был одним из немногих, 
кто понял и оценил всю глубину таланта Моцарта. «Я считаю вашего сына величайшим композитором из тех, о ком я когда-либо слышал», - сказал он отцу Моцарта.

В клавирном творчестве Моцарта представлены сонаты, вариации, фантазии, рондо, концерты. Особенно выделяются сонаты и фантазии, написанные в первой половине 80-х годов. В этих произведениях Моцарт, творчески развивая традиции Иоганна Себастьяна и Филиппа Эммануила Бахов, а также Гайдна, достигает глубины и силы драматической выразительности, близкой к бетховенской патетике. Замечательным примером может служить Фантазия до минор, предшествующая сонате до минор .

Сонаты и концерты, которые Моцарт писал в изобилии, тесно связаны с его исполнительской деятельностью. В первые годы жизни в Вене он часто принимал участие в концертах, устраивал свои собственные «академии» (концерты). Его называли первым виртуозом своего времени. Игра Моцарта отличалась большой проникновенностью, одухотворенностью и тонкостью. Особенно поражал современников его талант импровизатора. В 1777 году Вольфганг Моцарт познакомился с пианофорте (так раньше называли фортепиано) работы А. Штейна и сразу оценил его достоинства.

В 1778-1779 гг была написана одна из самых знаменитых сонат Моцарта, известная как соната № 11 с "турецким маршем". Начата эта соната в Париже, а закончена в Вене. Поэтому, соната написана во французском духе. Сам Моцарт назвал ее не сонатой, а сюитой. Все части цикла имеют светлый, жизнерадостный характер: в сонате господствуют лирические образы. Строение сонаты не обычно, I часть - тема и 6 вариаций, II часть - менуэт в сложной 3-х частной форме, а III часть Финал - в необычной форме, трехчастной с припевом. В финале имитируются некоторые особенности янычарской музыки: подражание ударным инструментам, форшлаги, флейта пикколо (малая флейта). Вся эта часть основана на контрасте грациозной танцевальной основной темы и энергичного мажорного припева-рефрена.

Симфоническое творчество Моцарта.
Симфония № 40 Соль минор

Моцарт за свою жизнь написал чуть больше 50 симфоний. С 1766 по 1774 годы написал 45 симфоний, с 1775 по 1791 год – меньше 10.
При жизни Моцарта из более чем пятидесяти его симфоний были изданы три. Из трёх симфоний 1788 года только Симфония № 40 соль минор прозвучала один раз в Вене. Сейчас это самая исполняемая симфония композитора. 
Симфонии Моцарта до венского периода близки бытовой развлекательной музыке того времени. В зрелые же годы симфонии обретают индивидуальное содержание.

В. А. Моцарт – создатель лирико-драматической симфонии. Для неё характерны контрасты между частями, между главной и побочной партиями сонатного аллегро, а также внутри тем. Форму сонатного аллегро композитор применял не только в первой, но и во второй и четвёртой частях симфоний. Темы симфоний мелодически выразительны. Нередко они связаны с мелодиями из опер композитора. Во многих из них слышны интонации бытовой, народной музыки Австрии.

Оркестр Моцарта: Основную тематическую функцию выполняет струнная группа. Деревянная группа, состоящая из двух флейт (в Симфонии соль минор одна флейта), двух гобоев и двух фаготов исполняет и мелодию, и гармоническое сопровождение. В первоначальных редакциях Симфоний соль минор и до мажор нет кларнетов. Медная группа состоит из двух валторн, и, в некоторых случаях, одной трубы (в Симфонии соль минор только две валторны).

Предлагаю к просмотру 2 разных видео на которых исполнена симфония:

Предлагаю к просмотру биографические фильмы о Бетховене:

Характеристика творчества Людвига ван Бетховена

Людвиг ван Бетховен работал во всех существующих в то время жанрах. Писал симфонии, увертюры, сонаты, концерты, квартеты, опера, балет, мессы, оратория, вокальный цикл, песни, обработки народных песен.
Образы, которые использовал композитор в своем творчестве:
Героические: герой Л. Бетховена наделён несгибаемой волей, умом мыслителя. Он служит человечеству, преодолевая внутренние сомнения, препятствия, душевные страдания (симфонии № 3 «Героическая», № 5, № 9, увертюра «Эгмонт»).
Лирические: возвышенные, благородные, сдержанные (медленные части сонат и симфоний).
Образы природы: соната № 21 «Аврора», Симфония № 6 «Пасторальная или Воспоминание о сельской жизни» (в этой симфонии пять частей).
Истоки музыкального языка  - музыка И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, К. В. Глюка, Ф. Й. Гайдна, В. А. Моцарта. Оперы французских композиторов - 
Ж-Ж. Руссо, А. Гретри, Л. Керубини. Французские массовые музыкальные жанры.

Фортепианное творчество Людвига ван Бетховена

Бетховен – пианист-виртуоз, гениальный импровизатор. За свою творческую жизнь написал 3 юношеские сонаты, 10 сонат для скрипки с фортепиано (самая знаменитая "Крейцерова соната"), 5 сонат для виолончели с фортепиано и 32 сонаты для фортепиано. 
Фортепианная соната была для Людвига ван Бетховена главной формой выражения волновавших его мыслей и чувств, его главных художественных устремлений. По своему значению жанр сонаты в творчестве композитора равнозначен симфонии. В фортепианных сонатах вырабатывался его стиль и музыкальный язык. Идеи, найденные в сонатах, использовались в симфониях. Некоторые сонаты имеют программные названия: 
соната №8 «Патетическая», соната № 21 «Аврора», соната № 23 «Аппассионата», соната № 14 «Лунная». 
При этом сам композитор дал название только одной сонате, "Патетической".

Мелодии - простые, ясные, строгие, с движением по звукам аккордов, с внутренней энергией, украшений почти нет.
Жанровые истоки тем - марши, траурные шествия, гимны, хоралы, танцы, речитативы, песни.
Приёмы развития - мотивное, тональное, полифоническое.
Драматургия - обострённая контрастность между частями, разделами, внутри тем.
Характер частей - первые части: героические, напряжённые, драматические. Медленные части: созерцательно-отрешённые или лирико-философские. Финалы: взволнованно-ликующие, победные, народно-жанровые.
Форма - классическая трёхчастная (иногда с развёрнутыми вступлениями, кодами). Встречаются и двухчастные сонаты.
Первая часть – сонатное аллегро.
Вторая часть – трёхчастная или вариационная.
Третья часть – рондо (рондо-соната).

Новаторство - оркестровое звучание рояля, экспрессивная динамика, широкое использование крайних регистров и педали для создания мощи и колорита.

Симфоническое творчество Л. Бетховена

Людвиг ван Бетховен за свою жизнь написал 9 симфоний и 11 симфонических увертюр. Восемь из девяти симфоний созданы с 1800 по 1812 годы. Над Симфонией № 5 Бетховен работал 3 года, над Симфонией № 9 – десять лет. Он первый придал симфонии общественное назначение, возвысил её до уровня философии. Именно в симфонии с наибольшей глубиной воплотилось революционно-демократическое мировоззрение композитора.

Программные названия имеют симфонии: 
№ 3 («Героическая») и № 6 («Пасторальная или Воспоминания о сельской жизни»). 
Симфония № 5 имеет авторский эпиграф, симфонию № 9 называют "Хоровой".

Среди увертюр Л. Бетховена наиболее известная «Леонора» (три варианта к опере «Фиделио»), а также «Кориолан» и «Эгмонт».

Бетховен и здесь выступает как композитор-новатор. Он драматизировал жанр, обострил контрасты между темами и между частями, 
преодолел классическую уравновешенность эмоций, освободил симфоническую музыку от налёта развлекательности. 
В финале Симфонии № 9 звучит хор на стихи оды немецкого поэта Фридриха Шиллера «К радости».
Начиная с Симфонии № 2 менуэт в третьей части заменён на скерцо (с итальянского - шутка). 

Роль Бетховена в развитии оркестра особая! Он увеличил состав оркестра, ввел новые инструменты: тромбоны, флейту пикколо, контрафагот, а так же отделил строчку контрабасов от виолончелей. Состав оркестра: первые и вторые скрипки, альты, виолончели, контрабасы, флейта пикколо, две флейты, два гобоя, два кларнета, два фагота, контрафагот, две валторны, две трубы, три тромбона, литавры.

Вершиной творчества Людвига ван Бетховена справедливо считается Девятая симфония, или симфония с хором, законченная в 1824 году. Полная революционного оптимизма, величественная симфония венчает творческий путь великого композитора, сумевшего преодолеть личное горе и страдания, сохранить непоколебимую веру в человечество и его прекрасное будущее и пронести эту веру через всю свою жизнь.

Симфония № 5 c-moll 

Годы создания симфонии: 1805 – 1808.
Эпиграф симфонии сформулировал сам Бетховен: «Так судьба стучится в дверь».
Программа симфонии: «От мрака к свету, через борьбу к победе».
Новаторство - Большие масштабы частей. Единство цикла в симфонии достигается отсутствием перерывов между третьей и четвёртой частями. Лейтмотив «судьбы» – сквозная тема, проходящая через все части симфонии.
Соло гобоя в репризе первой части Симфонии № 5 звучит как голос автора. Такое лирическое отступление – предвестник романтизма.
Реприза третьей части звучит на пианиссимо и пиццикато, оттеняя триумфальное звучание четвёртой части. В конце 4 части - масштабная финальная кода.

Увертюра "Эгмонт" 

В 1809 году Бетховен получил от дирекции Венского придворного театра заказ на написание музыки к трагедии Иоганна Вольфганга Гёте «Эгмонт» и работал над ней с конца 1809 до весны 1810 года, по его собственным словам, «исключительно из любви к поэту».
Увертюра - один из девяти номеров драмы. 

Сюжет
В XVI веке народ Нидерландов (Голландия) восстал против своих поработителей – испанцев. Борьбу возглавил граф Эгмонт – смелый и мужественный человек. Эгмонт гибнет, но народ завершает начатое им дело. Восстание заканчивается в 1576 году победой Нидерландов. В 1609 году было заключено перемирие, по которому Испания признала независимость части Нидерландов.

Романтизм явился своеобразной реакцией на Просвещение с его культом разума. Его возникновение было обусловлено разными причинами. Важнейшая из них – разочарование в итогах Великой французской революции, не оправдавшей возлагавшихся на нее надежд.
Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и бездуховна, она пронизана духом мещанства и достойна только отрицания. Мечта – это нечто прекрасное, совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом.
Прозе жизни романтизм противопоставил прекрасное царство духа, «жизнь сердца». Романтики верили в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум. По словам Вагнера, «художник обращается к чувству, а не к разуму». А Шуман говорил: «Разум заблуждается, чувства – никогда». Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка, которая в силу своей специфики наиболее полно выражает движения души. Именно музыка в эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств.

Характеристика творчества Франца Шуберта

Песенное творчество Франца Шуберта

Песня – главный жанр в творчестве Шуберта.
В шубертовских песнях есть всё – от народно-песенной кантилены и танцевальной мелодии до свободной или строгой декламации. При этом у Шуберта нет мелодических шаблонов. Для каждого образа он находит новую неповторимую характеристику.
Темы – любовная лирика, трагическое одиночество, природа.
Авторы стихов – Иоганн Гёте (около семидесяти песен), Генрих Гейне, Вильгельм Мюллер, Иоганн Майрховер, Людвиг Рельштаб.
Мелодии – распевные, декламационные, ариозного склада. Опора на жанр австро-немецкой песни Lied, одной из характерных особенностей которой является движение по звукам трезвучия.
Форма – куплетная (повторение неизменной мелодии, но с изменяющимся текстом), сквозная (музыка подчиняется содержанию текста, основана на свободном музыкальном развитии).
Партия фортепиано – передаёт мысли и чувства, создаёт характер героев, объединяет музыку разных разделов в единое целое. Фон часто изобразительный – помогает создать представление об окружающем мире и времени действия.

Портреты поэтов, на чьи стихи писал песни композитор:

Вокальный цикл "Прекрасная мельничиха" Ф. Шуберта

«Что за неисчерпаемое богатство мелодического изобретения было в этом безвременно окончившем свою карьеру композиторе! Какая роскошь фантазии и резко очерченная самобытность!» П.И. Чайковский

Франц Шуберт написал свой первый вокальный цикл в 1823 году на стихи немецкого поэта Вильгельма Мюллера. Шуберт включил в свой цикл 20 стихотворений Мюллера и работал над ним в Вене летом 1823 года. Летом 1824-го он поехал в Желиз, венгерское имение графа Эстергази фон Таланта, вновь, как и 6 лет назад, пригласившего его в качестве домашнего учителя. Здесь Шуберт познакомился с близким другом семьи Эстергази, 25-летним тенором-любителем бароном Карлом фон Шёнштайном, которому аккомпанировал в домашних концертах. Ярый приверженец итальянской оперы, Шёнштайн, однако, увлекся песнями Шуберта и впоследствии стал одним из лучших исполнителей его музыки. Особенно нравилась Шёнштайну «Прекрасная мельничиха», которая и была посвящена ему. Хотя первое публичное исполнение цикла состоялось в Вене лишь 32 года спустя после создания, песни из него сразу вошли в репертуар любительского музицирования. Этому способствовало венское издание, осуществленное непосредственно после сочинения, в 3 тетрадях на протяжении февраля-августа 1824 года.

«Прекрасная мельничиха» — первый романтический вокальный цикл. Это своеобразный роман в новеллах: каждая песня самостоятельна, но включена в общую линию развития сюжета, имеющего экспозицию, завязку, кульминацию и развязку. Песни отличаются непритязательными, сразу запоминающимися мелодиями в народном духе, в простой, чаще всего куплетной форме. Фортепианное сопровождение нередко рисует картины романтически одушевленной природы: наряду с главным героем важнейшее место занимает образ его друга и утешителя-ручья.

​Строение цикла: цикл можно разделить на две части:
Первая часть состоит из десяти светлых и безмятежных песен:
«В путь» (№ 1) – вступление.
«Моя» – (№ 11) кульминация первой половины цикла. 
«Пауза» – (№ 12) остановка действия, лирическое отступление.
Вторая часть: настроение героя постепенно меняется от радости к разочарованию в любви:
«Любимый цвет» – (№16) скорбная кульминация.
«Колыбельная песня ручья» – (№ 20) заключение.

Чтобы подробно разобраться в музыке цикла, пройди по ссылке - https://www.belcanto.ru/or-schubert-mel.html

Вокальный цикл "Зимний путь" Ф. Шуберта

Свой второй вокальный цикл Шуберт создал в предпоследний год жизни, полный печальных событий. Композитор утратил всякую надежду на издание своих сочинений в Германии и Швейцарии. В январе он узнал, что очередная попытка получить постоянное место, чтобы иметь твердый заработок и свободно творить, не увенчалась успехом: в должности придворного вице-капельмейстера Венской оперы ему предпочли другого. Решив участвовать в конкурсе на значительно менее престижную должность второго вице-капельмейстера театра венского предместья «У Каринтийских ворот», он не смог получить и ее.
Утешением стал отзыв Бетховена, который в феврале 1827 года познакомился с более чем полусотней шубертовских песен. Вот как об этом рассказывал первый биограф Бетховена Антон Шиндлер: «Великий мастер, не знавший до того и пяти песен Шуберта, был поражен их количеством и никак не хотел поверить в то, что Шуберт к этому времени создал уже более пятисот песен... С радостным воодушевлением он неоднократно повторял: "Действительно, в Шуберте живет Божья искра!"» Однако взаимоотношения двух великих современников не получили развития: месяц спустя Шуберт стоял у гроба Бетховена.
Все это время, по воспоминаниям одного из друзей композитора, Шуберт «был мрачно настроен и казался утомленным. На мой вопрос, что с ним, он ответил только: «Вы скоро услышите и поймете». Однажды он сказал мне: «Приходи сегодня к Шоберу (ближайшему другу Шуберта). Я вам спою несколько ужасных песен. Они меня утомили сильнее, чем какие-либо другие песни». И он спел нам трогательным голосом весь «Зимний путь». До конца мы были совершенно озадачены мрачным настроением этих песен, и Шобер сказал, что ему понравилась только одна песня — «Липа». Шуберт на это возразил только: «Мне эти песни нравятся больше всех».

"Зимний путь", как и "Прекрасная мельничиха" был написан на стихи Вильгельма Мюллера и завершён всего за год до смерти композитора. Второй песенный цикл Шуберта стал одной из вершин мировой вокальной лирики.

Главная мысль «Зимнего пути» – «Чужим пришёл сюда я, чужим покинул край».
Тема - История несчастной любви, страданий и трагического одиночества юноши-подмастерья.
Строение - в цикле двадцать четыре песни: «Спокойно спи» (№ 1) – вступление, рассказ о былых надеждах и любви. «Весенний сон» (№ 11) – переломный момент в цикле. Три контрастных раздела олицетворяют столкновение мечты и действительности. Во второй половине цикла тема одиночества сменяется темой смерти: (№ 15 «Ворон», № 20 «Путевой столб»). «Шарманщик» (№ 24) – трагическая кульминация цикла. Это символический образ судьбы артиста, чьё искусство никому не нужно.

Чтобы подробнее познакомиться с музыкой цикла, пройди по ссылке - https://www.belcanto.ru/or-schubert-put.html

Вокальные циклы Франца Шуберта стали образцом для многих композиторов: например, «Любовь поэта», «Любовь и жизнь женщины» Роберта Шумана, «Прощание с Петербургом» Михаила Ивановича Глинки, «Песни и пляски смерти», «Без солнца» Модеста Петровича Мусоргского, «Из еврейской народной поэзии» Дмитрия Дмитриевича Шостаковича.

Фортепианное творчество Ф. Шуберта

Франц Шуберт никогда не считал себя пианистом, но оставил в своем творческом наследии более 400 произведений для фортепиано в различных жанрах - как крупной формы (сонаты, вариации и фантазии), так и миниатюры (пьесы-танцы, марши, музыкальные моменты и экспромты). Все фортепианные произведения Ф.Шуберта близки бытовой музыке. А танцы и марши были любимыми жанрами композитора. Вальсы, лендлеры, экосезы и другие танцы сочинялись на «Шубертиадах», балах, загородных прогулках.

Сохранилось больше 250-ти шубертовских вальсов. Он сочинял свои вальсы, когда собравшиеся вокруг него друзья хотели потанцевать. 
Шубертовские вальсы – небольшие пьески. Они несложны по фактуре, но дышат подлинным вдохновением. 
Их можно разделить на две группы: первая - заразительно-весёлые, вторая – задумчиво-лирические.

В 1823 году Франц Шуберт написал шесть музыкальных моментов (op. 94), изданных в 1828 году.
Такое название этим произведениям придумал издатель М. Лейдесдорф.
Музыкальный момент (также, музыкальное мгновение) – это небольшая инструментальная пьеса, родственная экспромту.
Музыкальному моменту свойственны непосредственность, лирические высказывания и импровизационность.
Подобно другим романтическим сочинениям малых форм (экспромт, ноктюрн, прелюдия), музыкальный момент обычно выдержан в одном настроении.

Шубертом написано восемь экспромтов.
Экспромт (от лат. – «готовый, быстрый») – музыкальное произведение, сочинённое сразу, без подготовки.
Это название композиторы дают небольшим пьесам, обычно порывистого и импровизационного характера.
Экспромт должен производить впечатление импровизации под влиянием определённого настроения или переживания данной минуты.

Симфоническое творчество Франца Шуберта. 
Симфония № 8 "Неоконченная" си-минор

Творческая жизнь Франца Шуберта исчисляется всего семнадцатью годами. Тем не менее перечислить все написанное им еще труднее, чем перечислить произведения Моцарта, творческий путь которого был более продолжительным. Во многих сферах музыкального творчества новаторство Шуберта проявилось с наибольшей смелостью и размахом. Он являлся родоначальником не только лирической инструментальной миниатюры, но и романтической симфонии — лирико-драматической и эпической. У Шуберта, как и у Бетховена написано 9 симфоний. Первые - ранние симфонии написаны в традициях венской классической школы, индивидуальные черты в них только намечаются. Седьмая симфония носит переходный характер. 
А в двух последних симфониях ярко выражены черты нового романтического стиля. 
Судьба этих гениальных симфоний очень необычна. 
Обе симфонии долгое время были неизвестны: до-мажорная симфония № 9 была обнаружена Робертом Шуманом в 1838 году, а симфония № 8 «Неоконченная» — найдена только в 1865 году венским дирижёром Иоганном Хербеком среди старых рукописей, сохранившихся у одного из друзей Франца Шуберта. Обе симфонии оказали влияние на композиторов второй половины XIX века, определив различные пути романтического симфонизма. Шуберт не слышал ни одной из своих симфоний в профессиональном исполнении.

Симфония № 8 "Неоконченная" си-минор - первая лирическая симфония, выраженная законченными романтическими средствами. Сохраняя основные принципы бетховенского симфонизма — серьезность, драматичность, глубину, — Шуберт показал в своём произведении новый мир чувств. Интимная поэтическая атмосфера, грустная задумчивость господствуют в ее настроении. И тем не менее здесь есть столкновение — серьезное, глубокое, напряженное. Вечный конфликт между действительностью и мечтой, живущей в душе каждого романтика, определяет драматический характер музыки. Все столкновения развертываются во внутреннем мире героя.

Год создания – 1822.
Шуберт создавал симфонию сначала в виде наброска («дирекциона»). Сохранились наброски-дирекционы трёх частей, в партитуре написаны лишь две первые части.

Восьмая симфония была посвящена музыкальному обществу в городе Граце, которому Франц Шуберт представил две части в 1824 году.
После 1822 года композитор к симфонии не возвращался, причины прекращения работы над ней неизвестны.

Характеристика творчества Фридерика Шопена

Творчество Шопена тесно связано с событиями его жизни: разлукой с горячо любимой родиной, мечтами о свободной стране. Композитор одним из первых привнёс в западно-европейскую музыку славянские интонационные и ладовые элементы. Будучи пианистом-виртуозом он блестяще раскрыл технические и выразительные возможности фортепиано – инструмента, для которого написаны почти все его сочинения.
Истоки музыкального языка - польский фольклор (народные лады, мелодии, ритмы, жанры), итальянская кантилена, итальянские жанры (тарантелла, баркарола), испанское болеро, марш, хорал.
Мелодии - индивидуальность мелодий в органичном сочетании вокальной кантилены, декламационных, речевых интонаций, танцевальных элементов. Важный элемент тем – разнообразные украшения (мелизмы).
Гармония и фактура - использование выразительных возможностей различных регистров (тембров). Гармонические фигурации, подголоски – всё поющее, мелодичное. Смелые, красочные тональные сопоставления, энгармонические модуляции, альтерированные аккорды, именной аккорд (D7 с секстой).
Новаторство - Шопен создал новый фортепианный жанр баллады (масштабные произведения, написанные под впечатлением от баллад Адама Мицкевича и польских дум). По-новому трактовал существующие жанры: драматизация и поэтизация танцев (мазурки, полонеза, вальса), этюда; прелюдия из вступительного жанра становится самостоятельным; скерцо (у Бетховена одна из частей симфонии) превращается в самостоятельный жанр не шутливого, а возвышенного драматического характера. Так же Шопен объединил различные жанры: хорал, полонез звучат в ноктюрнах; полонез – в мазурке; мазурка – в финале фортепианного концерта, в полонезе; прелюдия – как марш, мазурка, пастораль, элегия.

Для творчества Ф. Шопена характерны как классические, так и романтические черты.

Фортепианное творчество Ф. Шопена. 
Мазурки.

"Шляпы долой, господа. Перед вами - гений!"  Роберт Шуман

Мазурка – старинный польский танец, любимый жанр Ф. Шопена. Композитор обращался к ним на протяжении всей жизни, им написано 52 мазурки. Шопен называл мазурки «образки» («картинки»), они для композитора как своеобразные дневниковые записи. В мазурках Шопена певучесть, распевность сочетается с танцевальностью.

Роберт Шуман сказал о мазурках Шопена – «Пушки, прикрытые цветами».

Мазурки Ф. Шопена можно условно разделить на три группы:
Народные мазурки:
Основаны на трёх видах народных танцев:

• мазур (с «капризным» ритмом);

• куявяк – более плавный, с акцентом на любой доле такта;

• оберек – самый задорный, энергичный, с акцентом на второй доле третьего такта.

В них используется подражание народным инструментам. Использование ладов народной музыки. Вступления написаны в духе народных наигрышей – с пустыми грубоватыми унисонами (квинты, октавы). Гармония простая: чередование D7 и тоники, обилие органных пунктов.

Бальные мазурки:
Торжественные, величавые по характеру. В них используются характерные средства выразительности: фанфары, хоральность фактуры, маршевость.

Лирические мазурки:
Имеют более медленный темп, сложный лад, декламационность. Некоторые из них представляют собой лирические поэмы.

Представляю ноты и аудио наиболее известных мазурок по одной из каждой группы: мазурка До мажор (ор. 56 № 2) из первой группы. Поляки называют её «мазуркой мазурок». Мазурка си-бемоль мажор (ор. 7 № 1) из второй группы. И Мазурка ля минор (оp. 68 № 2) из третьей группы.

Полонезы, вальсы Фридерика Шопена

Полонезы
Полонез – старинный польский трёхдольный танец (дословно «ходимый», «вышагиваемый»), со временем получивший французское название «полонез», что означает "польский"


Полонезы Шопена можно разделить на две группы:
1) Концертные виртуозные пьесы.
2) Эпические поэмы об истории Польши, в которых слышна скорбь, призывы к борьбе за свободу, вера в светлое будущее.

Особенности полонезов Шопена:
Оркестровое звучание фортепиано, охват крайних регистров, виртуозные приёмы. крупная аккордовая техника, сложная фактура, яркая динамика, энергичная ритмика. В некоторых полонезах присутствуют изобразительные элементы.

Почти все полонезы написаны в сложной трёхчастной форме.


​Вальсы
XIX век прошел под символом вальса, его танцевали везде, во всех кругах общества. Вальс проник во все жанры профессиональной музыки – оперу, балет, симфонию, сюиту, приобрёл самостоятельное концертное значение. Оказал существенное влияние на развитие европейской музыки XIX и XX веков.

Вальсы занимают более скромное место в творчестве Шопена, их написано всего 17. Большинство вальсов состоят из нескольких эпизодов различного характера, которые имеют интонационное сходство, но часто контрастны друг другу.

Характерные черты вальса, его кружащееся движение, лиризм, изящество, пластичность в сочетании с типичной формулой аккомпанемента, обнаруживаются в некоторых мазурках, в скерцо, балладах.

Вальсы Ф. Шопена можно условно разделить на две группы:
1) Виртуозные концертные пьесы.
2) Лирические, тонкие, поэтичные.

Особенности вальсов Шопена: излюбленный приём композитора rubato – небольшое отклонение от темпа. В большинстве виртуозных вальсов композитор применяет разнообразную фортепианную фактуру: октавную и аккордовую технику, стремительные гаммы, изящные фигурации. В вальсах-миниатюрах – скромная фортепианная фактура.

Прелюдии Фридерика Шопена

Прелю́дия (от лат. prae… — перед и лат. ludus — игра) — краткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы. В период зарождения прелюдии всегда предшествовали более длинному, сложному и строго оформленному произведению. Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты. В них использовались прелюдии, в которых длительности нот оставались на усмотрение исполнителя. В эпоху позднего Барокко в творчестве Баха прелюдия объединяется в цикл с фугой. У классиков прелюдия – это уже часть крупной формы.

Фридерик Шопен превратил прелюдию в самостоятельную инструментальную миниатюру. Он написал цикл из 24 фортепианных прелюдий во всех 24-х тональностях, расположенных по квинтовому кругу тональностей. Окончил их в Испании на острове Майорка в 1838-1839 годах. Цикл был издан в 1839 году.

Многие прелюдии Шопена написаны в одночастной форме, в форме периода. Цикл представляет собой своеобразную энциклопедию чувств и эмоций. Они являются откровенные лирические высказывания. 

Жанровые прообразы прелюдий:
Ля мажор – мазурка; Фа-диез мажор – ноктюрн; Си-бемоль мажор – баркарола; Соль мажор – этюд; ля минор – трагический монолог; си минор – элегия; ми-бемоль минор – токката; до минор – траурный марш.
Прелюдия ми минор (ор. 28 № 4), по словам русского композитора и пианиста Антона Григорьевича Рубинштейна – одно из самых трагических произведений в мировой музыке. Её содержание созвучно с картиной Каспара Давида Фридриха «Дерево с воронами. Могильный курган», написанной в 1822 году.

Ноктюрны, этюды Ф. Шопена

Ноктюрн от фр. «ночной» – романтическая миниатюра, в которой раскрываются поэтичные образы ночи, грёзы, воспоминания. Создателем нового типа ноктюрна – лирической фортепианной пьесы – является ирландский композитор и пианист Джон Филд. Фридериком Шопеном написано 20 ноктюрнов. Почти все в медленных темпах. Мелодии ноктюрнов – хоральные, декламационные, маршевые. 

Условно ноктюрны Шопена можно разделить на две группы:

• Лирические, созерцательные пьесы – в них преобладает чувство гармонии и красоты. Фактура состоит из выразительной, «поющей» орнаментальной мелодии и аккомпанемента – гармонической фигурации, охватывающей большой диапазон, создающей иллюзию пространства, воздуха.

• Трагедийные, драматические пьесы – в них слышна тревога, напряжённое размышление. В ноктюрнах этой группы два контрастных образа. Средние части – напряжённые, драматические – контрастируют крайним медленным частям.

Этю́д (фр. étude «изучение») — это инструментальная пьеса, как правило, небольшого объёма, основанная на частом применении какого-либо трудного приёма исполнения и предназначенная для усовершенствования техники исполнителя и инструмента. 

Жанр этюда известен с XVIII века. Среди композиторов, создававших этюды, наиболее известен Карл Черни: он автор более тысячи фортепианных этюдов разного уровня и разных типов техники, объединённых в циклы («Школа беглости пальцев», «Школа фуги» и др.).

Фридерик Шопен вывел этот жанр на новый уровень: его этюды не только являются упражнениями на технику, но имеют большую художественную ценность и часто исполняются в концертах. Шопеном написано 27 этюдов: из них 24 сгруппированы в две тетради по 12 пьес (ор.10 и ор.25), и 3 этюда опубликованы отдельно без обозначения опуса. «Двенадцать больших этюдов» ор.10, созданный в 1831-1832 годах, содержат посвящение: «Моему другу Ференцу Листу». В Ф. Листе Шопен видел замечательного истолкователя своих произведений. Вторая тетрадь, датированная 1836 годом, посвящена писательнице, жене Ф. Листа Мари д'Агу

В каждом этюде представлен определённый тип фактуры и технический приём (октавы, терции, арпеджио и т.д.). Виртуозность, техническая сложность пьесы служат средством выразительности лирического или драматического содержания. Каждый же этюд в отдельности даёт определенный тип фактуры, технический приём, максимально соответствующий поэтическому образу. Весь комплекс средств – жанровые связи, гармония, динамика, педализация – принимает участие в разрешении этой творческой задачи. Большинство этюдов написаны в простой трёхчастной форме с единой тематической основой.