Истоки Русской музыки восходят к творчеству восточно-славянских племён, населявших территорию Древней Руси до возникновения в 9 в. первого русского государства. О древнейших видах восточно-славянской музыки можно судить гипотетически по отдельным историческим свидетельствам, материалам археологических раскопок, а также по некоторым пережиточным элементам, сохранившимся в позднейших образцах песенного фольклора. Ко времени образования древне-русского государства с центром в Киеве народная песня занимала важное место в семейном и общественном быту, были известны музыкальные инструменты различных типов. Уже в 6 веке гусли - один из любимых инструментов славян (свидетельство тому - рассказ византийского историка Феофилакта о трёх захваченных в плен славянских гуслярах).

Источник: https://www.belcanto.ru/rusmusic.html

Некоторые из стилистических форм и жанров русской музыки, сложившихся в 17 веке, продолжали жить и в следующем столетии. Так, партесный концерт оставался важнейшим видом творчества русских композиторов до середины 18 века; среди его многочисленных мастеров - Н. Калашников, Н. Бавыкин, Ф. Редриков. Широкое развитие получил кант, тематика которого не ограничивалась традиционными религиозными сюжетами, стала более разнообразной. В период царствования Петра I возник торжественный панегирический кант, воспевавший военные победы, силу и мощь Российского государства. В 30-40-х годах сложился любовно-лирический кант. Светская тематика способствовала известному интонационному обогащению канта, хотя основные композиционные признаки этого жанра оставались неизменными.

​Источник: https://www.belcanto.ru/rusmusic.html

В 19 веке в Русскую музыку проникают романтические веяния, с которыми было связано обновление ее тематики и образно-стилистического строя. Усиливается интерес к народно-эпическим сюжетам, сказочной фантастике. В музыке находит отражение патриотический подъем, вызванный Отечественной войной 1812 года и событиями предшествовавших ей лет. Театр по-прежнему находится в центре внимания большинства композиторов, но в содержании и характере музыкально-театральных произведений происходят заметные изменения.
Наряду с оперой в начале 19 века важную роль выполняют некоторые другие театрально-музыкальные жанры. В частности музыка к трагедиям, дивертисменты и водевили. В сфере городского музицирования продолжает широко бытовать народная песня. В первые десятилетия 19 века популярным становится жанр романса.

​Источник - https://www.belcanto.ru/rusmusic.html

Романс - камерное вокальное произведение для голоса с инструментальным сопровождением. В романсе используются более разнообразные, чем в песне, средства музыкальной выразительности. Форма в романсах сложнее, часто встречаются повторения.
Романсовое творчество композиторов первых десятилетий 19 века сложилось на основе народных, городских, крестьянских и цыганских песен. Именно в романсе формировались особенности русского музыкального языка, национального музыкального стиля. Развитие романса тесно связана с расцветом русской поэзии в Пушкинскую эпоху и творчеством Жуковского, Вяземского, Баратынского, Дельвига, Батюшкова, самого Пушкина и других поэтов. На их стихи писали свои романсы Козловский, Верстовский, Алябьев, Варламов, Гурилев, Булахов, Глинка, Даргомыжский. В их творчестве сложились основные жанры русского романса: лирический романс (самый распространенный), «русская песня», возникшая как подражание народной музыке, элегия – лирико-философское размышление, романтическая баллада, создателем которой в России стал Верстовский. Застольная песня, родившаяся из маршевых походных песен, лирические романсы о дальних странах, в которых возникали романтические образы Италии, Испании, Кавказа, Востока. А также романсы в танцевальных ритмах (вальса, польки, мазурки, болеро, полонеза и др.)

Чтобы узнать историю развития романса пройдите по ссылке - https://www.belcanto.ru/romance.html

Опера "Жизнь за царя" или "Иван Сусанин"

«Неизгладимыми буквами начертано 27 ноября 1836 года в истории русского искусства, — писал выдающийся русский композитор и музыкальный критик Александр Николаевич Серов. — На долю гениальных произведений в музыке весьма редко достается сочувствие публики тотчас, с первого же раза. С оперою «Жизнь за царя» случилось именно такое исключение». На премьере присутствовал император Николай I; в знак своего чрезвычайного одобрения оперы он пожаловал Глинке бриллиантовый перстень.

Отечественная война 1812 года всколыхнула самосознание русского народа, пробудила интерес к собственной истории. В литературе стали популярными сюжеты на русские исторические темы, среди них — история о подвиге костромского крестьянина Ивана Сусанина. Известно, что поляки шли в Кострому, чтобы убить 16-летнего боярина Михаила Романова, но в пути они заплутали. Дорогу им вызвался показать крестьянин Иван Сусанин, но вместо этого завёл их в болото, где погиб вместе с ними.

Этот сюжет неоднократно встречается в литературе того времени, к нему обращались М. М. Херасков, А. А. Шаховской, С. Н. Глинка, позднее Н. А. Полевой (в драме «Костромские леса») и М. Н. Загоскин (по совету Жуковского). Особенно привлекла к себе внимание эта тема, воплощенная в книге «Думы» Рылеева. Ярко заметна близость глинкинской сцены в лесу монологу Сусанина из Рылеева.

"Иван Сусанин" - отечественная героико-трагическая опера в четырех действиях с эпилогом на либретто барона Георгия Федоровича Розена.

Время действия: 1612 - 1613 годы.

Место действия: село Домнино, Польша, Москва (в эпилоге).

Первое исполнение: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 27 нoябpя (9 декабря) 1836 года.
Источник - https://www.belcanto.ru/susanin.html

Симфоническое творчество М.И. Глинки

Симфоническое творчество Глинки составляет важнейший этап на пути рождения русской симфонической школы, которая в первой половине XIX века находилась в процессе становления. В это время инструментальное творчество русских композиторов было связано преимущественно с домашним музицированием. Отдельные образцы крупной симфонической формы (вроде одночастной симфонии Алябьева) были явлениями эпизодическими. Развитие получил лишь жанр увертюры как вступления к опере или драме.

В своих симфонических произведениях композитор не стремился к музыкальному изложению конкретных сюжетов. Программность использовалась 
им в обобщенном виде. Картинность и художественное обобщение народной жизни – вот что составило реальную программу его симфонических увертюр – «Камаринской» (1848), «Арагонской хоты» (1845), «Ночи в Мадриде» (1851, первая редакция 1848). В этих сочинениях, 
а также в «Вальсе-фантазии (1856), были заложены основы русского классического симфонизма. Все они были созданы в последние годы жизни Глинки.

Разрабатывая план симфонической увертюры, Глинка экспериментировал с формой сочинения и никогда не повторялся. В каждом сочинении найден свой способ оформления музыкального материала. В «Камаринской» композитор обратился к форме двойных вариаций, в «Арагонской хоте» предпочел сонатную структуру, в «Воспоминаниях о летней ночи в Мадриде» – концентрическую композицию. Самое же главное, композитору удалось найти новаторские принципы симфонического развития, получившие дальнейшее претворение в творчестве русских композиторов.

Источник - http://musike.ru/rml/glinka/symphony

Вокальное творчество М.И. Глинки

Михаил Иванович Глинка обучался в Италии искусству пения, соединил русскую и западноевропейскую песенность. В жанре романса достиг совершенства в единстве музыки и слова. Был замечательным певцом-исполнителем, вокальным педагогом, создавшим пособие «Школа пения», учителем выдающихся певцов – Осипа Петрова (бас) и Анны Петровой-Воробьевой (меццо-сопрано). Михаил Иванович написал более 70 песен 
и романсов. Создал первый в русской классической музыке вокальный цикл «Прощание с Петербургом».

Образы и темы его вокальных произведений - любовь, ревность, разочарование; бытовые сценки, картины природы.

Жанры, в которых работал Глинка - лирические романсы, элегии, «русские песни». Серенады, баркаролы, застольные песни, баллады. 
Некоторые романсы написаны в танцевальных жанрах вальса, мазурки, польки, болеро, полонеза.

Музыкальный язык - напевная, выразительная мелодия (истоки – от народной песни до итальянского бельканто). 
Музыкальное воплощение общего настроения текста, следование за поэтической мыслью стиха. 
Речитативные интонации выделяют важные детали текста (средняя часть романса «Я помню чудное мгновенье», «Попутная песня»).

Глинка писал романсы на стихи русских поэтов-современников: А. С. Пушкина, Е. А. Баратынского, В. А. Жуковского, А. А. Дельвига, 
К. Н. Батюшкова, Н. В. Кукольника, Ю. В. Жадовской.

Оперное творчество Даргомыжского

На протяжении всей творческой жизни оперные замыслы постоянно находились в центре художественных устремлений Александра Сергеевича Даргомыжского. "Проектов и начатков у меня много," - писал он в одном из писем. Однако не все задуманное удалось осуществить. В известной степени продуктивность оперного творчества тормозили сложные взаимоотношения с театральной дирекцией, которая всячески препятствовала продвижению опер Даргомыжского на сцену. Но главной причиной того, что сочинение некоторых опер не было доведено до конца, явился сложный, длительный процесс поиска своего индивидуального пути в оперном искусстве. Он привел Даргомыжского к созданию произведений, сыгравших исключительно важную роль в истории русской музыки, опер "Русалка" и "Каменный гость".

Опера «Русалка» открыла новую страницу в русской классической музыки. Она является первой народно-бытовой музыкальной драмой. 
В ее основе лежит социальный конфликт – интимная, простая человеческая драма, которая разыгралась на бытовом фоне. 
Задача композитора — отражение душевного состояния героев, их характеров и переживаний. Музыкальный язык «Русалки» национален. 
Это была опера нового типа, действующими лицами которой являются обычные люди из народа. 

Опера «Каменный гость» так же написана на сюжет Пушкина. Композитор опирается на речитатив и правдиво передает особенности речи действующих лиц, разнохарактерные интонации. В напряженных местах он мелодизируется. Впервые опера была показана в 1868 году.  Она осталась незаконченной. Автор завещал дописать ее Цезарю Антоновичу Кюи. Оркестровал оперу Николай Андреевич Римский-Корсаков.

Опера "Русалка"

Жанр оперы - Психологическая бытовая музыкальная драма.
Либретто - А. С. Даргомыжского.
В основе сюжета – неоконченная драма А. С. Пушкина, опубликованная после смерти поэта под названием «Русалка».
Содержание драмы А. С. Пушкина А. С. Даргомыжский оставил без изменений, присочинив окончание, отсутствующее у А.С. Пушкина.
Основа содержания - социальный конфликт: судьба простой русской девушки, обманутой и брошенной богатым князем.
Отражение душевного мира героев, их переживаний и характеров.
Премьера – г. Санкт-Петербург, 4 (16) мая 1856 года. 
Первая постановка «Русалки» на сцене Мариинского театра в Петербурге была малоудачной. Цельности спектакля повредили 
многочисленные купюры (сокращения). «Высший свет» отнесся к опере враждебно. В результате она была снята с репертуара.
Подлинный успех пришел к «Русалке» лишь после возобновления оперы в 1865 году.

Более подробно почитать об опере, узнать содержание и характеристику музыки оперы вы можете пройдя по ссылке - https://superinf.ru/view_helpstud.php?id=306

Наиболее известные исполнители главных партий в опере «Русалка»:

Вокальное творчество А.С. Даргомыжского

Александр Сергеевич Даргомыжский вместе с М.И. Глинкой явился основателем классического русского романса и песни. 
Камерная вокальная музыка была для Даргомыжского одним из главных жанров творчества. Он сочинял романсы и песни на протяжении 
нескольких десятилетий, и если в ранних произведениях было много общего с сочинениями А.А. Алябьева, А.Е. Варламова, А.Л. Гурилёва, 
М.И. Глинки, то поздние некоторыми чертами предвосхищают вокальное творчество М.А. Балакирева, Ц.А. Кюи и особенно М.П. Мусоргского. 
Именно Мусоргский назвал Александра Сергеевича «великим учителем музыкальной правды».

Даргомыжский писал на стихи А.С. Пушкина, М.Ю. Лермонтова, В.А. Жуковского, А.А. Дельвига, Ю.В. Жадовской, А.В. Кольцова, Н.М. Языкова, 
поэтов-искровцев В.С. Курочкина и П. И. Вейнберга.

Александр Сергеевич использовал не только традиционные жанры: элегия, русская песня, баллада; 
но и явился создателем новых жанров:
монолог-размышление («Мне грустно», «И скучно, и грустно»);
монолог-портрет («Мне минуло шестнадцать лет»);
драматическая песня («Старый капрал»);
народно-бытовая сценка с диалогом («Мельник»);
сатирические песни («Червяк», «Титулярный советник»).

В песнях Даргомыжского появляется новый герой – «маленький человек»: мелкий чиновник, крестьянин, ремесленник, солдат. Александр Сергеевич критически изображает равнодушие и чёрствость богатых, раболепие и униженность бедных людей. Мелодия используется песенно-ариозная или речитативно-декламационная. Особый акцент делается на речевой выразительности и сближении музыки с речевым интонированием. В этом А. С. Даргомыжский – прямой предшественник М. П. Мусоргского. Декламационная мелодия правдиво отображает все нюансы состояния героя.

Фортепианная партия подчинена общей задаче – последовательному воплощению слова в музыке. Носит психологически-выразительную или картинно-изобразительную функцию.

Более подробно познакомиться с камерными вокальными произведениями Даргомыжского вы можете, пройдя по ссылке - https://mgpu-aeg.wixsite.com/music-history/2-3-5-kamernoe-vokalnoe-tvorchestvo

Вторая половина XIX века становится временем серьезных перемен в общественной жизни России, необычайным ростом национального самосознания, периодом небывалого расцвета науки и мирового признания русской национальной культуры.
Исторические события, повлиявшие на развитие культуры и искусства: поражение России в Крымской войне в 1856 году, реформы Александра II и отмена крепостного права в 1861 году.
Литература: важнейшей темой в творчестве писателей Л.Н. Толстого, Ф.М. Достоевского, Н.А. Некрасова Н.Г. Чернышевского, Н.А. Добролюбова стала борьба человеческой личности за своё раскрепощение, за право на свободу и счастье.
Изобразительное искусство: в 1870 году группа художников организовала «товарищество передвижных художественных выставок». Это объединение организовывало выставки картин в разных городах России, вело активную просветительскую работу. Художники показывали в своих картинах «не пороки отдельных личностей, а пороки общества». В полотнах В.П. Перова, И.Е. Репина, И.Н. Крамского обличались жестокие нравы, взяточничество, чванство купечества и чиновников.
Знаменитые художники-передвижники - Григорий Мясоедов, Иван Крамской, Василий Перов, Василий Суриков, братья Виктор и Апполинарий Васнецовы, Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Алексей Саврасов, Архип Куинджи, Константин Маковский, Исаак Левитан, Валентин Серов (сын музыкального критика А. Н. Серова).
В театре утверждаются правда, реализм. Увеличивается интерес к русской современной драме, обличающей тёмное царство купцов-самодуров, продажность и лицемерие бюрократической машины русского самодержавия. Ставятся пьесы А.Н. Островского, А.В. Сухово-Кобылина, М.Е. Салтыкова-Щедрина, А.К. Толстого, Л.Н. Толстого.
Выдающиеся актеры - Пров Садовский, Гликерия Федотова, Мария Ермолова, Мария Савина, Константин Варламов (сын А. Е. Варламова).

Музыкальная культура во второй половине XIX века переживает мощное обновление, становится одной из ведущих музыкальных культур, определяющих дальнейшее развитие всего европейского музыкального искусства. Начинается новая эра русской музыки.

Оперное творчество М.П. Мусоргского

"Я разумею народ как великую личность, одушевлённую единой идеей. Это моя задача. 
Я попытался решить её в опере" М.П. Мусоргский.

По своей натуре Модест Петрович Мусоргский был выдающимся музыкальным драматургом. Именно в театре он смог так полно и ярко показать явления действительности. Он был великим мастером создания в музыки живых человеческих характеров, причем передавал не только чувства человека, но и его внешний вид, повадки, движения. Но главное, что влекло композитора к театру, - возможность показать в опере не только отдельного человека, но и жизнь целого народа в моменты важнейших переломных событий отечественной истории: картины народных восстаний и бунтов, нищеты и бесправия. Часто Модест Петрович обращается к теме войны, показывая ее жестокость и несправедливость.

Сюжеты опер М. П. Мусоргского, основанные на исторических событиях.
«Борис Годунов» – 1598 – 1604 годы. Смерть царевича Дмитрия – младшего сына Ивана Грозного. Шестилетнее правление царя Бориса, польская интервенция, «Смутное время».
«Хованщина» – Россия накануне реформ Петра Первого. Была не окончена.
«Пугачёвщина» – замысел оперы о народных восстаниях остался неосуществлённым.

Музыкальный язык Мусоргского необычайно смелый для того времени. Многие идеи такие как: сложная драматургия опер, свободные музыкальные формы, далёкие от европейской классики, мелодика, были поняты и приняты только в XX веке.

Модест Петрович Мусоргский всю свою жизнь искал новые пути в искусстве, никогда не довольствовался найденным и всегда «бросал хорошее в поисках ещё лучшего». Таким образом, опера «Борис Годунов» - это единственная опера, которую композитор окончил и даже сделал 2 редакции, поэтому, ее роль в истории мирового оперного искусства невозможно переоценить. Мусоргский соединил здесь национальный дух и стиль с важнейшими тенденциями европейского художественного процесса и даже предвосхитил некоторые из них, например, в поисках новых принципов вокального языка, который основан на синтезе мелодии и речевой интонации.

Неоконченные оперы М.П. Мусоргского
«Саламбо» – героико-романтическая опера по одноимённому роману французского писателя Г. Флобера о восстаниях ливийских войск против Карфагена. Часть музыкального материала М. П. Мусоргский использовал в опере «Борис Годунов».
«Женитьба» – бытовая комическая опера по одноимённой пьесе Н. В. Гоголя. В основу музыкального произведения положена прозаическая речь гоголевских персонажей (первым начал использовать прозаическую речь А. С. Даргомыжский в опере «Каменный гость»).
«Сорочинская ярмарка» – лирико-комическая опера по одноимённой повести Н. В. Гоголя.

Жанр оперы «Борис Годунов» — народная музыкальная драма. 
Либретто Мусоргского по одноимённой трагедии А. С. Пушкина и "Истории государства Российского" Н. М. Карамзина.
Структура оперы — 4 действия с прологом
Первая постановка: Петербург, Мариинский театр, 27 января 1874 года.
Действие происходит в Москве в 1598-1605 годах.

Существует несколько редакций «Бориса»: 
две редакции автора (1869 и 1872), две редакции Римского-Корсакова (1896 и 1908), редакция и оркестровка Д. Д. Шостаковича (1940).

В музыке с потрясающей силой раскрыта трагедия одиночества и обреченности царя, новаторски воплощен мятежный, бунтарский дух русского народа.

После прослушивания аудиопособия, посмотрите оперу 
М. Мусоргского "Борис Годунов" постановка 1978 года

Сюита для фортепиано "Картинки с выставки"

Идея написать цикл фортепианных пьес возникла под впечатлением посмертной выставки произведений художника и архитектора Виктора Гартмана в Академии художеств в феврале 1874 г. Он был близким другом Мусоргского, и его внезапная кончина глубоко потрясла композитора. Работа протекала бурно, интенсивно: "Звуки и мысль в воздухе повисли, глотаю и объедаюсь, едва успевая царапать на бумаге" - писал композитор. Рабочее название произведения было "Гартман", впоследствии оно стало сюитой для фортепиано "Картинки с выставки". В процессе написания сюиты композитор поставил перед собой оригинальную задачу отобразить инструментальными средствами картин, рисунков, архитектурных проектов художника. В сюите 10 пьес, объединенных связками - "прогулками". В них представлены и сцены реальной жизни, и сказочные образы, и картины прошлого, и изображения архитектурных сооружений. «Прогулка» «изображает» переход от одной картины к другой, объединяет в одно целое контрастные темы, при этом меняется, варьируется под впечатлением от увиденной картины. А в одном случае «Прогулка» получает новое название – 
«С мёртвыми на мёртвом языке».

Мусоргский усложнил и переосмыслил многие работы В. А. Гартмана: «Гном» (№ 1) – трагический образ. «Два еврея» (№ 6), «Быдло» (№ 4) – социальный конфликт. «Старый замок» (№ 2) – философские размышления о жизни, об уходящем времени. «Катакомбы» (№ 8) – образ смерти. «Избушка на курьих ножках (Баба Яга) (№9) – картина «нечистой силы», наполненная «бесовскими» диссонансами. «Богатырские ворота» (№ 10) – воплощение мечты композитора о свободной России.

Новаторство – Модест Петрович обогатил фортепианную музыку вокальными речевыми и песенными интонациями: песенные мелодии в «Прогулке» (имитация запевала – хор); песенные интонации в «Богатырских воротах» (напоминает хоровой финал); речевые интонации в «Старом замке», «Быдле»; речевые интонации раскрывают характер героев в «Двух евреях», «Гноме», «Тюильри»; народный говор своеобразно претворён в «Лиможе» (перепалка на рынке).

Год создания произведения – 1874. Год издания – 1886 – через пять лет после смерти композитора.

Существует несколько оркестровых переложений этого произведения, наиболее известное переложение французского композитора Мориса Равеля.

​Более подробно прочитать вы можете на сайте -https://soundtimes.ru/kamernaya-muzyka/udivitelnye-muzykalnye-proizvedeniya/m-p-musorgskij-kartinki-s-vystavki

Вокальное творчество М.П. Мусоргского

Камерная вокальная музыка - вторая основная сфера творчества Мусоргского, которая по значению не уступает опере. Романсы и песни предшествовали созданию музыкальных драм, а в дальнейшем создавались параллельно с ними на протяжении всей творческой деятельности почти без перерывов. Им было создано около 70 произведений, разнообразных как по содержанию, так и по форме его воплощения. Это лирика – поэтически-светлая и драматически-исповедальная; яркие реалистические зарисовки народной жизни – "народные картинки", музыкальные портреты; развивая традиции Даргомыжского, композитор использует жанры монолога-сцены, монолога-рассказа, баллады, сатирической и драматической песни. Во всех этих произведениях присутствуют и слова от автора, и прямая речь героя. Главным выразительным средством является декламация, в которой соединяются песенные ( колыбельные, плясовые, плач и т.д.) и речевые интонации. В характере героев Модест Петрович передает особенности его речи, интонации, жестов и походки. Партия фортепиано выступает как равноправный, исполнительски сложный участник ансамбля. Часто сливается с голосом, а не просто «досказывает» мысли и чувства персонажа. 
Круг поэтов, к которым обращался композитор, достаточно широк: это стихи современных русских авторов – А. С. Пушкина, А. Н. Плещеева, А. А. Голенищева-Кутузова, А. В. Кольцова, Н. А. Некрасова, А. Толстого, Л. А. Мей, Т. Г. Шевченко, А. Н. Островского, В. Курочкина, а также поэзия И. В. Гёте и Г. Гейне; нередко композитор сам писал тексты для своих произведений.

Характеристика творчества А.П. Бородина.

Творчество Бородина отличается поразительной цельностью и связано это с тем, что все его сочинения объединяет одна ведущая мысль о богатырской мощи русского народа.
Александр Порфирьевич не цитировал народные песни, а создавал собственные мелодии в духе былин, обрядовых и лирических песен. Музыкальный стиль отличается классической завершённостью (часто использовал классические формы – сонатную, трёхчастную). Речитативу предпочитает кантилену. Лучшие мелодии как русские, так и восточные, звучат плавно и широко. Красочные и необычные гармонии предвосхитили многие новшества в европейской музыке (К. Дебюсси, М. Равель, И. Ф. Стравинский).

Песни и романсы А.П. Бородина

Александром Порфирьевичем написано 16 романсов и песен. Романсы бытовые, юмористические и лирические создавали многие композиторы, но Бородин создает новый тип вокальной миниатюры, связанный с эпосом и сказкой. 
Все романсы и песни можно разделить на несколько групп:
Эпические (сказочные): «Спящая княжна», «Песня тёмного леса», «Морская царевна» - образы русского «богатырского» эпоса. В них используются песенные мелодии.
Лирические: «Отравой полны мои песни», «Фальшивая нота», «Для берегов отчизны дальной», «Из слёз моих». Выражение тонких душевных переживаний – от страстных и порывистых до созерцательных и нежных. В них чувствуется влияние композиторов-романтиков Р. Шумана, Ф. Листа, Ф. Мендельсона.
Сатирические: «Спесь», «У людей-то во дому». Большая роль речевой интонации. В этих песнях Александр Порфирьевич – последователь А.С. Даргомыжского. В них характерна театральность и изобразительность. В лирических и сатирических романсах и песнях преобладает декламационность.
Восточные: «Арабская мелодия».

Композитор обращался к творчеству: А. С. Пушкина, Н. А. Некрасова, Г. Гейне, А. К. Толстого. Некоторые романсы писал на собственные тексты.

Партия фортепиано поддерживает мелодию, а не главенствует. В одних романсах и песнях сопровождение имеет изобразительный характер («Море», «Морская царевна»), в других усиливает смысловую выразительность мелодии с помощью яркой, неповторимой гармонии («Для берегов отчизны дальной»).

Симфония № 2 си-минор "Богатырская"

"Скерцо мчится, будто конь под джигитовщиком" Б. Асафьев

Симфония № 2 "Богатырская" была первой русской эпической симфонией, которая создавалась 7 лет (с 1869 по 1876 гг.) в одно время с оперой «Князь Игорь»  Поэтому эти сочинения так близки по содержанию и музыкальному складу.

Название симфонии дал Владимир Васильевич Стасов. Первоначально друзья называли симфонию "Львиной", а Модест Петрович Мусоргский предложил назвать ее "Славянской героической", но сам Бородин говорил, что изображает в музыке симфонии богатырские образы.

Жанр – эпический.

Строение симфонии – четырёхчастный цикл: 
Первая часть - собрание русских богатырей. 
Вторая - картины богатырских игр и состязаний. 
Третья часть - образ древнерусского певца-сказителя Бояна. 
Четвертая - сцена богатырского пира, ликование народа.

В симфонии воплощены новаторские идеи композитора:
В музыке - опора на русскую народную традицию (интонации, лад, ритм). Русский образ интонационно сближается с восточным (побочная тема первой части и тема трио второй части).
Третья и четвёртая части идут без перерыва.

А.П. Бородин опера "Князь Игорь"

Александр Порфирьевич начал работу над оперой в 1869 году и писал на протяжении 18 лет, так и не окончив ее. Опера была завершена после смерти композитора Н.А. Римским-Корсаковым и его учеником А.К. Глазуновым. 
Поставлена в 1890 году в Мариинском театре в Санкт-Петербурге.

В основу оперы легла летопись XII века «Слово о полку Игореве». Летопись предложил В.В. Стасов в качестве основы оперного сюжета. Либретто Бородин написал сам.

Жанр оперы - эпический. 
Это богатырские музыкальные образы; неспешное чередование масштабных контрастных законченных сцен; множество хоровых сцен; не показ событий, а рассказ о них.

В опере используется номерная структура. Классическая завершённость сцен. Наряду с ариями, каватинами – песни, плачи, славы. Закруглённые песенные интонации преобладают над «сухим» речитативом.

Новаторство – эпические сцены органично связаны с лирическими (Ярославна с Галицким и боярами), с комическими (Скула и Ярошка). 
Русская музыка соседствует с восточной (второе действие с танцевальной сюитой). Яркая, неповторимая гармония с необычными аккордами, состоящими из секунд и кварт.

Основные действующие лица:
Игорь Святославович, князь Северский – баритон.
Ефросинья Ярославна, его жена – сопрано.
Владимир Ярославович, князь Галицкий, брат Ярославны – высокий бас.
Владимир Игоревич, сын князя Игоря от первого брака - тенор.
Хан Кончак – бас.
Кончаковна, дочь хана Кончака – контральто.

Характеристика творчества Н.А. Римского-Корсакого

Николай Андреевич за свою жизнь написал огромное количество произведений в разных жанрах: оперы, симфонии, симфонические сюиты, симфонические картины, увертюры, концерты для различных инструментов (в том числе для духовых), романсы и песни. В произведениях, связанных с миром сказки, народной фантазией, природой, использовал смелые новаторские гармонии, красочные оркестровые сочетания, изумительные по красоте мелодии. Его можно назвать ярким музыкальным живописцем. Благодаря редакторской работе были исполнены оперы: «Каменный гость» А.С. Даргомыжского, «Князь Игорь» А.П. Бородина, «Борис Годунов» и «Хованщина» М.П. Мусоргского. Подготовлены к изданию произведения М.И. Глинки.

За годы педагогической работы он оставил большое литературное наследие: автобиографию «Летопись моей музыкальной жизни», учебник «Основы оркестровки» и учебник гармонии, два сборника русских народных песен, музыкальные статьи.

Оперное творчество Н.А. Римского-Корсакова. 
Опера "Снегурочка"

Основным жанром в творчестве Римского-Корсакова была опера. Им написано 15 опер, которые стали русской оперной классикой. Жанры опер - сказочные, исторические, лирико-психологические, но все же центральное место в его творчестве занимают сказочно-эпические оперы: "Снегурочка", "Садко", "Сказка о царе Салтане", "Золотой петушок".
Особым мастерством и совершенством славится оркестровка композитора, соединившая в себе как глинкинские традиции, так и особенности инструментовки европейских композиторов. Например, оркестровые картины, такие как: вступление к опере "Садко" - "Океан-море синее"; антракты "Три чуда" в опере "Сказка о царе Салтане", "Сеча при Керженце" к опере "Сказание о невидимом граде Китеже" являются яркими образцами оркестровой музыки. Таким образом оперы Римского-Корсакова продолжают «русско-славянскую» линию романтического музыкального театра первой половины и середины XIX века.

Опера "Снегурочка" - любимейшее сочинение композитора. Была написана по одноименной пьесе-сказке А.Н. Островского в 1880-1881 гг. 
В этой сказочно-эпической опере, а по определению самого Николая Андреевича «весенней сказке» происходит воспевание жизни древних славян-язычников, мудрой красоты и гармонии «Берендеева царства», могучей природы, великой силы искусства и любви.
Взаимоотношения древних славян и природы раскрываются в обрядовых сценах проводов масленицы, праздника Ивана Купалы, гимне Яриле-солнцу. Для их создания Римский-Корсаков использовал древний фольклор. В опере звучат 17 подлинных народных напевов и наигрышей. Так же он широко использует систему лейтмотивов, лейттембров (в партии Леля – кларнет, Снегурочки – флейта, скрипка, Весны – валторна, Берендея – виолончель), лейтгармоний (тритоновое созвучие Лешего).

​Действующие лица:
Царь Берендей – тенор.
Снегурочка – сопрано (колоратурное или лирико-колоратурное).
Лель, пастух – контральто.
Весна-Красна – меццо-сопрано.
Дед Мороз – бас.
Мизгирь, торговый гость – баритон.
Купава, молодая девушка – сопрано.

Эскизы декораций и костюмов к опере "Снегурочка" были выполнены известным русским художником Виктором Васнецовым. А о том, как создавались эскизы и как происходила работа над оперой можно прочитать, пройдя по ссылке - https://museumsworld.ru/vvasnetsov/sneg0.html

Симфоническое творчество Н.А. Римского-Корсакого

Симфоническое наследие Римского-Корсакова, уступая в объеме оперному, имеет, однако, не меньшее художественное и историческое значение. Разнообразные произведения композитора для оркестра, программные и непрограммные, циклические и одночастные, свободно сочиненные и построенные на народных темах, в совокупности являют собой энциклопедию кучкистского симфонизма и — шире — способов музыкального мышления, выработанных петербургской школой.
Симфонические произведения конца 80-х годов занимают особое место в творчестве Римского-Корсакова. «Испанское каприччио», «Шехеразада» — вершины в движении разных линий национального жанрового симфонизма, «русской» и повествующей «о других землях и народах». А их блестящая концертность, невиданное ранее богатство оркестровых приемов, редкостное разнообразие колорита, запечатленные в этих партитурах, не имеют себе равных ни в отечественной, ни в зарубежной музыке той эпохи.

Симфоническая сюита "Шехеразада" (1888 год)

В основу сюиты, посвященной В. Стасову, ложатся некоторые из арабских сказок сборника «1001 ночь». Этот сборник — памятник средневековой арабской литературы, источники которого восходят к персидским сказаниям IX века, окончательно сложился в XV веке, а с XVII века довольно широко распространился на Востоке.
Партитуре композитор предпослал программу, составленную им самим по началу сборника: «Султан Шахриар, убежденный в коварстве и неверности женщин, дал зарок казнить каждую из своих жен после первой ночи; но султанша Шехеразада спасла свою жизнь тем, что сумела занять его сказками, рассказывая их ему в продолжение 1001 ночи так, что, побуждаемый любопытством, Шахриар постоянно откладывал ее казнь и наконец совершенно оставил свое намерение".

Первое исполнение «Шехеразады» состоялось в Петербурге 22 октября (3 ноября) 1888 года в первом из Русских симфонических концертов, состоявшемся в Дворянском собрании под управлением автора.

Ссылка на сайт - https://www.belcanto.ru/rimsky_scheherazade.html

Характеристика творчества 
П.И. Чайковского

Музыка Чайковского, еще при его жизни получившая признание, ставшая, по словам Б. Асафьева, «жизненной необходимостью» для людей, запечатлела огромную эпоху русской жизни и культуры XIX в., вышла за их пределы и стала достоянием всего человечества. Ее содержание универсально: оно охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, окружающего быта, в нем обобщаются и по-новому раскрываются образы русской и мировой литературы — Пушкина и Гоголя, Шекспира и Данте, русской лирической поэзии второй половины XIX в.

Жанры, в которых работал композитор:
Симфонии, программные увертюры, оперы, камерно-инструментальная музыка, романсы, фортепианные пьесы.

Истоки музыкального языка:
Русская музыка первой половины XIX века; городская, крестьянская песня, городской романс; западно-европейская классика. 
Любимый композитор П.И. Чайковского – В.А. Моцарт.

Темы и образы:
Вечная тема борьбы добра и зла.
Поиски смысла жизни.
Противостояние мира грёз и реальной действительности.
Поэтичные образы русской природы.
Красочные картины народной жизни.

Новаторство:
Развил жанр лирико-психологической оперы («Евгений Онегин», «Пиковая дама») и симфонии (Четвёртая, Пятая, Шестая); 
Один из основоположников русского струнного квартета; 
Основоположник русского классического балета («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»); 
Создатель русского концерта для фортепиано.

Симфоническое творчество 
П.И. Чайковского. 
Симфония №1 "Зимние грезы"

Великий художник и мастер широкого кругозора, оставивший огромное по объему богатейшее наследие в самых различных областях музыкального творчества, Чайковский по характеру своего мышления являлся в первую очередь симфонистом. «...Опера, — писал он однажды, — едва ли все-таки не самая богатая музыкальная форма. Но чувствую, что я все-таки более склонен к симфоническому роду». Драматическое восприятие мира Чайковским определило остроконфликтный характер его симфонизма. Симфонический стиль Чайковского сложился на основе органического взаимопроникновения и синтеза классических и романтических элементов. Усвоив ценнейшие достижения романтизма в области музыки, открывшие перед ней новые богатейшие перспективы отражения духовной жизни человека и окружающего его мира, он сохраняет верность классическим принципам формообразования и разработки тематического материала.

Более подробно о симфоническом творчестве можно прочитать - https://www.belcanto.ru/tchaikovsky_symphony.html

Симфония №1 "Зимние грезы" создавалась Чайковским весной и летом 1866 года. В музыке этого сочинения отразились впечатления композитора от русской природы, которую он очень любил; воспоминания детских лет о зимней дороге из далекого уральского городка Воткинска в Петербург, куда родители везли его учиться; картины веселых масленичных гуляний.

Симфония посвящена Николаю Григорьевичу Рубинштейну.

Состав оркестра: 2 флейты, флейта-пикколо, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота, 4 валторны, 2 трубы, 3 тромбона, туба, литавры, ударная группа, струнные.

Жанр симфонии - лирико-драматическая.

Более подробно о симфонии можно прочитать - https://www.belcanto.ru/s_tchaikovsky_1.html

П.И. Чайковский опера "Евгений Онегин"

"Опера, и именно только опера сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой, делает вас достоянием не только отдельных маленьких кружков, но при благоприятных условиях - всего народа" П.И. Чайковский

Опера, как и симфоническая музыка занимает важнейшее место в творчестве Чайковского. Композитор считал оперу самым демократичным по своим возможностям видом музыкального искусства, способным наиболее сильно воздействовать на широкие массы слушателей. На протяжении многих лет работы в этой области у композитора сложились определенные взгляды на этот жанр. По его мнению, в основе оперы должен лежать простой, жизненный сюжет. "Я ищу интимной, но сильной драмы, основанной на конфликте положений, мною испытанных или виденных, могущих задеть меня за живое" - писал Петр Ильич. Серьезные требования он предъявлял к оперному либретто: по мысли композитора, оно должно быть немногословным, целеустремленным. "В опере... необходима сжатость и быстрота действия, - иначе ни у мастера-музыканта не хватит сил написать, ни у слушателя внимательно дослушать" - писал композитор. Петр Ильич написал 10 опер. Не все они были успешными, но композитор всегда был очень строг к себе, поэтому всю жизнь совершенствовался в этом жанре.

История создания оперы "Евгений Онегин"
Идею написания оперы на роман в стихах А.С. Пушкина «Евгений Онегин» подсказала певица Е.А. Лавровская.
Опера начата в Москве в 1877 году.  Окончена в Италии в 1878 году. 
Премьера состоялась в Московской консерватории весной 1879 года, а в 1883 году прошла с успехом в Петербурге.

Либретто составлено П.И. Чайковским при участии его друга, тамбовского дворянина Константина Шиловского.
В центре оперы – лирическая драма Татьяны.
Жанр оперы – лирические сцены.

В опере 3 действия, семь картин.

Действующие лица:
Татьяна Ларина – сопрано
Ольга Ларина – контральто
Владимир Ленский – тенор
Евгений Онегин – баритон
Князь Гремин – бас