ОТЕЧЕСТВЕННАЯ МУЗЫКА
Русская культура конца XIX – начала XX веков
Конец XIX — начало XX века — один из сложнейших периодов в истории России. События, происходившие в то время, оказали большое влияние на все сферы общественной жизни:
1887 год – неудачное покушение на Александра III
1904 год – Русско-японская война. Поражение России
1905 год – Первая русская революция
1914-1918 годы – Первая мировая война
1917 год – Февральская и Октябрьская революции
Культура России конца XIX — начала XX в. впитала художественные традиции, эстетические и моральные идеалы «золотого века» предшествующего времени. На рубеже веков в духовной жизни Европы и России появились тенденции, связанные с мироощущением человека XX столетия. Они требовали нового осмысления социальных и нравственных проблем. Все это приводило к поиску новых изобразительных методов и средств. В России сложился период, который современники назвали «серебряным веком» русской культуры.
1887 год – неудачное покушение на Александра III
1904 год – Русско-японская война. Поражение России
1905 год – Первая русская революция
1914-1918 годы – Первая мировая война
1917 год – Февральская и Октябрьская революции
Культура России конца XIX — начала XX в. впитала художественные традиции, эстетические и моральные идеалы «золотого века» предшествующего времени. На рубеже веков в духовной жизни Европы и России появились тенденции, связанные с мироощущением человека XX столетия. Они требовали нового осмысления социальных и нравственных проблем. Все это приводило к поиску новых изобразительных методов и средств. В России сложился период, который современники назвали «серебряным веком» русской культуры.
Русский Ренессанс или "Серебряный век"
Появление термина «Серебряный век» приписывают философу Николаю Бердяеву, поэтам Николаю Гумилёву и Николаю Оцупу.
На смену настроениям стабильности приходит психологическая напряжённость, ожидание «великого переворота» в связи с войнами и революциями. Никогда ещё не было в русском искусстве такого количества направлений, группировок, объединений, ассоциаций, как в начале XX века. Они выдвигали свои творческие теоретические программы, отрицали предшественников, враждовали с современниками, пытались предсказать будущее.
Реалистические традиции уходят в прошлое, на смену им приходят новые направления и течения в искусстве, которые стали основой модернизма как художественно-эстетической системы.
«Серебряный век» дал миру замечательные образцы философской мысли, воскресил древнерусскую икону, открыл целую плеяду писателей, поэтов, художников, музыкантов, философов, дал толчок новым направлениям живописи, музыки, театрального искусства.
Новое поколение поэтов, художников, музыкантов протестует против главного принципа реалистического искусства – принципа непосредственного отображения окружающего мира. По мнению его представителей, искусство, являясь синтезом двух противоположных начал – материи и духа – способно не только «отображать», но и «преображать» существующий мир, творить новую реальность.
«Серебряный век» – не только время, но и отношение художника к этому времени, целенаправленное воссоздание образа мира и времени в своём творчестве. Литература, живопись, театр и музыка «Серебряного века» стали своеобразным прообразом искусства XX столетия, отразив противоречивый и сложный характер культуры.
На смену настроениям стабильности приходит психологическая напряжённость, ожидание «великого переворота» в связи с войнами и революциями. Никогда ещё не было в русском искусстве такого количества направлений, группировок, объединений, ассоциаций, как в начале XX века. Они выдвигали свои творческие теоретические программы, отрицали предшественников, враждовали с современниками, пытались предсказать будущее.
Реалистические традиции уходят в прошлое, на смену им приходят новые направления и течения в искусстве, которые стали основой модернизма как художественно-эстетической системы.
«Серебряный век» дал миру замечательные образцы философской мысли, воскресил древнерусскую икону, открыл целую плеяду писателей, поэтов, художников, музыкантов, философов, дал толчок новым направлениям живописи, музыки, театрального искусства.
Новое поколение поэтов, художников, музыкантов протестует против главного принципа реалистического искусства – принципа непосредственного отображения окружающего мира. По мнению его представителей, искусство, являясь синтезом двух противоположных начал – материи и духа – способно не только «отображать», но и «преображать» существующий мир, творить новую реальность.
«Серебряный век» – не только время, но и отношение художника к этому времени, целенаправленное воссоздание образа мира и времени в своём творчестве. Литература, живопись, театр и музыка «Серебряного века» стали своеобразным прообразом искусства XX столетия, отразив противоречивый и сложный характер культуры.
Музыкальное искусство «Серебряного века»
Музыкальная жизнь на рубеже столетий протекает очень бурно и интенсивно. Расширяется деятельность ИРМО, организуется Филармоническое общество, пропагандирующее главным образом симфоническую музыку. Расширяется репертуар оперных театров, улучшается качество их постановок. Блестящего расцвета достигает музыкальное исполнительство. В русской музыке наряду с продолжением сложившихся традиций национальной композиторской школы, проявляются особенности, вызванные новыми условиями общественной жизни России на рубеже веков. В музыкальное искусство входят новые темы и образы. Становится характерным перемещение главного интереса с широких социальных проблем в область отражения внутреннего мира человека.
Увеличивается значение балета, опера же уходит на второй план. Синтезируются инструментальные и вокальные жанры, возникают новые разновидности кантатно-ораториального жанра («Колокола» С.В. Рахманинова). Развиваются традиции русского классического симфонизма (С.И. Танеев, А.К. Глазунов). Падает интерес к жанру симфонии, разрабатывается жанр симфонической миниатюры в творчестве А.К. Лядова. Развивается инструментальный концерт (особенно фортепианный), большое значение приобретает камерная инструментальная музыка. Развиваются жанры ф-ной сонаты и ф-ной миниатюры, возникает жанр фортепианной поэмы в творчестве А.Н. Скрябина, этюда-картины в творчестве С.В. Рахманинова. Преобладает лирический романс, появляется новый жанр - «стихотворение с музыкой» в творчестве С.И. Танеева.
Развиваются традиции обеих основных школ русской классики XIX века:
Петербургской – Н.А. Римский-Корсаков, А.К. Глазунов, А.К. Лядов, И.Ф. Стравинский.
Московской – С.В. Рахманинов, А.Н. Скрябин, Н.К. Метнер) и
Западноевропейского романтизма.
Возникают новые стилевые явления (черты импрессионизма у А.К. Лядова и И.Ф. Стравинского, символизма – у А.Н. Скрябина, неоклассицизма – у С.С. Прокофьева).
Успешное развитие русского национального искусства во многом было обязано отечественным меценатам: братьям Третьяковым, М.П. Беляеву, С.И. Мамонтову, С.И. Зимину, С.П. Дягилеву и многим другим.
Чтобы подробнее познакомиться с развитием русского музыкального искусства, скачайте документы:
Увеличивается значение балета, опера же уходит на второй план. Синтезируются инструментальные и вокальные жанры, возникают новые разновидности кантатно-ораториального жанра («Колокола» С.В. Рахманинова). Развиваются традиции русского классического симфонизма (С.И. Танеев, А.К. Глазунов). Падает интерес к жанру симфонии, разрабатывается жанр симфонической миниатюры в творчестве А.К. Лядова. Развивается инструментальный концерт (особенно фортепианный), большое значение приобретает камерная инструментальная музыка. Развиваются жанры ф-ной сонаты и ф-ной миниатюры, возникает жанр фортепианной поэмы в творчестве А.Н. Скрябина, этюда-картины в творчестве С.В. Рахманинова. Преобладает лирический романс, появляется новый жанр - «стихотворение с музыкой» в творчестве С.И. Танеева.
Развиваются традиции обеих основных школ русской классики XIX века:
Петербургской – Н.А. Римский-Корсаков, А.К. Глазунов, А.К. Лядов, И.Ф. Стравинский.
Московской – С.В. Рахманинов, А.Н. Скрябин, Н.К. Метнер) и
Западноевропейского романтизма.
Возникают новые стилевые явления (черты импрессионизма у А.К. Лядова и И.Ф. Стравинского, символизма – у А.Н. Скрябина, неоклассицизма – у С.С. Прокофьева).
Успешное развитие русского национального искусства во многом было обязано отечественным меценатам: братьям Третьяковым, М.П. Беляеву, С.И. Мамонтову, С.И. Зимину, С.П. Дягилеву и многим другим.
Чтобы подробнее познакомиться с развитием русского музыкального искусства, скачайте документы:
Сергей Иванович Танеев (1856 – 1915)
«Танеев... был источником великой культурной революции в русской музыке, последнее слово которой ещё далеко не сказано...» Б. Асафьев
Сергей Иванович Танеев – композитор, музыкальный учёный, педагог, превосходный пианист, первый в России учёный–музыковед. Ученик, друг и последователь П.И. Чайковского, один из наиболее ярких представителей реалистического направления в отечественном музыкальном искусстве конца XIX начала XX веков.
Сергей Иванович проявил себя и как крупный мыслитель–учёный, теоретик музыкального искусства: его капитальные работы в области полифонии и сейчас представляют большую ценность для современной музыкальной науки. Танеева называли «музыкальной совестью Москвы»: благородство, кристальная честность, душевная щедрость, сердечность, интеллект привлекали к нему современников.
В своём творчестве Сергей Иванович утверждал вечность и незыблемость законов красоты, гармонии, разума. Для его произведений характерно стремление к стройности, уравновешенности, классичности. Композитор стремился воссоздать в музыке целостную картину бытия, противоречивую и единую.
Кантата для смешанного хора и оркестра«Иоанн Дамаскин» исполняет хор Московской консерватории мужская капелла «Благовест». Симфонический оркестр студентов Московской консерватории. Дирижер - Вячеслав Валеев
Уникальное видео 1973 года Симфония № 4 до минор Сергея Ивановича Танеева. Исполняет Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио и телевидения. Дирижер - Геннадий Рождественский
Анатолий Константинович Лядов (1855-1914)
"...Лядов скромно отвел себе область миниатюры — фортепианной и оркестровой — и работал над ней с большой любовью и тщательностью ремесленника и со вкусом, первоклассного художника-ювелира и мастера стиля. В нем действительно жило прекрасное в национально-русском душевном облике". Б. Асафьев
Анатолий Константинович Лядов – талантливый композитор, педагог, дирижёр, представитель «Новой русской музыкальной школы».
Принадлежал к числу виднейших учеников и единомышленников Н. А. Римского-Корсакова. Анатолий Константинович вошёл в историю русской музыки как верный хранитель и продолжатель классических традиций.
Принадлежал к числу виднейших учеников и единомышленников Н. А. Римского-Корсакова. Анатолий Константинович вошёл в историю русской музыки как верный хранитель и продолжатель классических традиций.
Уникальность и самобытность мышления композитора заключается в способности чутко отражать новые художественно-эстетические веяния и стилистические ориентиры современной ему эпохи.
В его творчестве органично соединились традиции кучкистов, русской классической школы и ведущие направления начала XX века, в частности, символизм и мирискусничество.
До конца жизни Анатолий Константинович оставался верен искусству, которое он называл «храмом красоты».
«Пророку вечной красоты, поборнику музыкального просвещения на Руси Анатолию Константиновичу Лядову» – такая надпись была на ленте от Петербургской консерватории, провожавшей в последний путь своего великого выпускника. В этих нескольких словах сжато выражена вся жизнь Анатолия Константиновича.
В его творчестве органично соединились традиции кучкистов, русской классической школы и ведущие направления начала XX века, в частности, символизм и мирискусничество.
До конца жизни Анатолий Константинович оставался верен искусству, которое он называл «храмом красоты».
«Пророку вечной красоты, поборнику музыкального просвещения на Руси Анатолию Константиновичу Лядову» – такая надпись была на ленте от Петербургской консерватории, провожавшей в последний путь своего великого выпускника. В этих нескольких словах сжато выражена вся жизнь Анатолия Константиновича.
Фортепианные миниатюры А.К. Лядова – образец ювелирно отточенной формы, наиболее полно раскрывающей художественный мир композитора. Они составляют наибольшую часть наследия и включают почти весь круг характерных для него образов. В основном – это миниатюры, иногда объединённые в циклы – «Бирюльки», «Арабески». В пьесе "Музыкальная табакерка" с большим остроумием и юмором воспроизведено звучание игрушечного, заводного музыкального инструмента. Композитор снабдил пьесу единственным в своем роде обозначением – «automaticamente».
К наиболее крупным произведениям для фортепиано относятся 2 вариационных цикла (на тему романса Глинки «Венецианская ночь» и на польскую тему). Одной из известнейших пьес стала баллада «Про старину». Это сочинение близко эпическим страницам оперы Глинки «Руслан и Людмила» и «Богатырской» симфонии А. Бородина. В 1906г. Лядов сделал оркестровую редакцию баллады «Про старину», сопроводив партитуру эпиграфом: «Поведём же братие, сказание от времён Владимировых древних». В. Стасов, услышав ее, воскликнул: «Настоящего Баяна Вы тут вылепили».
Александр Константинович Глазунов (1865 – 1936)
Глазунов создал мир счастья, веселья, покоя, полета, упоения, задумчивости и многого, многого другого, всегда счастливого, всегда ясного и глубокого, всегда необыкновенно благородного, крылатого... А. Луначарский
Александр Константинович Глазунов – композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель, один из крупнейших отечественных композиторов. Продолжатель традиций «Могучей кучки» и П. И. Чайковского. Прочное душевное здоровье, сдержанная внутренняя сила и неизменное благородство композитора привлекали к нему музыкантов-единомышленников, слушателей, многочисленных учеников. В судьбе А. Глазунова зримо воплотилась преемственность русской и советской музыки.
А. К. Глазунов имел феноменальную музыкальную память: современники утверждали, что он после одного прослушивания мог записать партитуру целой симфонии. Такая фантастическая способность композитора помогла восстановить незаконченные А.П. Бородиным произведения: оперу «Князь Игорь» и «Третью симфонию».
Заслуги Александра Константиновича и тот неоценимый вклад, который он внёс в развитие консерватории, были высоко оценены: в декабре 1920 года, отмечая пятнадцатилетний юбилей его руководящей работы, президиум учебного заведения вынес решение о присвоении Малому залу Петроградской консерватории имя А.К. Глазунова. А в Мюнхене открыт институт, занимающийся исследованием творчества композитора, архив его партитур хранится в Париже.
Заслуги Александра Константиновича и тот неоценимый вклад, который он внёс в развитие консерватории, были высоко оценены: в декабре 1920 года, отмечая пятнадцатилетний юбилей его руководящей работы, президиум учебного заведения вынес решение о присвоении Малому залу Петроградской консерватории имя А.К. Глазунова. А в Мюнхене открыт институт, занимающийся исследованием творчества композитора, архив его партитур хранится в Париже.
Сергей Васильевич Рахманинов (1873 – 1943)
«Я – русский композитор, и моя Родина наложила отпечаток
на мой характер и мои взгляды. Моя музыка – это плод моего характера, и потому это русская музыка» С.В. Рахманинов.
на мой характер и мои взгляды. Моя музыка – это плод моего характера, и потому это русская музыка» С.В. Рахманинов.
Сергей Васильевич Рахманинов – великий русский композитор, дирижер, выдающийся пианист-виртуоз. Формирование и расцвет творчества Рахманинова происходили в 1890-1900-е годы время, когда в русской культуре происходили сложнейшие процессы. Все важнейшие события русской общественной и художественной жизни отразились в его творческой судьбе, оставив неизгладимый след. Центральной темой творчества композитора является образ Родины. Через все творчество Сергей Васильевич проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и любовь к Отечеству, олицетворением которой стало его искусство.
Сергей Васильевич раскрыл духовные корни России, возродил старинную русскую музыку, духовный концерт XVIII века, партесное пение.
Композитор гармонично соединил традиции русского и европейского искусства, создав свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии значительное влияние на русскую и мировую музыку XX века, утвердив при этом мировой приоритет русской пианистической школы.
Сергей Васильевич раскрыл духовные корни России, возродил старинную русскую музыку, духовный концерт XVIII века, партесное пение.
Композитор гармонично соединил традиции русского и европейского искусства, создав свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии значительное влияние на русскую и мировую музыку XX века, утвердив при этом мировой приоритет русской пианистической школы.
Более подробную информацию можно получить, пройдя по ссылке - Сергей Васильевич Рахманинов (Sergei Rachmaninoff) | Belcanto.ru
А если хотите почитать подлинные воспоминания жены Сергея Васильевича, увидеть композитора на фото и видео, получить полную информацию о его произведениях, скачать ноты его сочинений и услышать произведения в его исполнении пройдите по ссылке на официальный сайт "СЕНАР" - С. Рахманинов – сайт «Сенар» (senar.ru)
А если хотите почитать подлинные воспоминания жены Сергея Васильевича, увидеть композитора на фото и видео, получить полную информацию о его произведениях, скачать ноты его сочинений и услышать произведения в его исполнении пройдите по ссылке на официальный сайт "СЕНАР" - С. Рахманинов – сайт «Сенар» (senar.ru)
Характеристика творчества С.В. Рахманинова
Сергей Васильевич гармонично соединил традиции русского и европейского искусства, создав свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии значительное влияние на русскую и мировую музыку XX века, утвердив при этом мировой приоритет русской пианистической школы. В своем творчестве композитор использует лирико-эпические и драматические образы, однако центральной темой является Россия и её судьба. Слушая произведения великого композитора можно проследить связь с народными истоками и особенно колокольными звонами России.
Истоки музыкального языка - творчество композиторов-романтиков XIX века: Ф.Шуберта, Ф.Шопена, Р.Шумана, Э.Грига. Творчество композиторов «Могучей кучки», П.И. Чайковского. Городская и крестьянская песенность, городской романс. Духовная православная культура.
Жанры, в которых работал композитор - оперы, симфонии, концерты, кантаты, хоры a capella. Произведения для оркестра, вокально-симфоническая поэма, камерные инструментальные сочинения. Для фортепиано: сонаты, прелюдии, этюды-картины, музыкальные моменты, пьесы-фантазии, сюиты.
Новаторство - оригинальные рахманиновские «мелодии-дали» (Б. Асафьев) со сложным взаимодействием индивидуально-драматического и песеннообобщённого лирического начала. Лирико-эпическая мелодия нового типа, несущая драматизм. Многообразное воплощение колокольной звучности в сочинениях. А также создание жанра этюд-картина. Само определение «этюды-картины», которое Рахманинов дал пьесам своего нового цикла, указывает на соединение виртуозно пианистических задач с осознанным стремлением к красочному «живописанию в звуках» и конкретной характеристичности образов. Обе эти тенденции, проявившиеся уже ранее в прелюдиях, выступают здесь с еще большей определенностью и рельефностью.
Мелодии Сергея Васильевича носят лирически обобщённый характер, редко обнаруживают непосредственное сходство с определёнными жанрами народно-песенного творчества. Ярко прослеживается опора на творчество европейских композиторов-романтиков. Вокальное ощущение мелодики – ведущая черта всех жанров, в том числе и инструментальных. Мелодиям присуща широта дыхания, пластичность, гибкость.
Гармония Рахманинова очень многообразна. Характерны многотерцовые, альтерированные, субдоминантовые аккорды, полигармония, органные пункты. Знаменитая «Рахманиновская гармония» – уменьшённый вводный терцквартаккорд с квартой, разрешаемый в тонику (только в миноре).
Полифония - излюбленный способ развития в произведениях композитора. В каждом произведении присутствует подголосочная или имитационная полифония.
Истоки музыкального языка - творчество композиторов-романтиков XIX века: Ф.Шуберта, Ф.Шопена, Р.Шумана, Э.Грига. Творчество композиторов «Могучей кучки», П.И. Чайковского. Городская и крестьянская песенность, городской романс. Духовная православная культура.
Жанры, в которых работал композитор - оперы, симфонии, концерты, кантаты, хоры a capella. Произведения для оркестра, вокально-симфоническая поэма, камерные инструментальные сочинения. Для фортепиано: сонаты, прелюдии, этюды-картины, музыкальные моменты, пьесы-фантазии, сюиты.
Новаторство - оригинальные рахманиновские «мелодии-дали» (Б. Асафьев) со сложным взаимодействием индивидуально-драматического и песеннообобщённого лирического начала. Лирико-эпическая мелодия нового типа, несущая драматизм. Многообразное воплощение колокольной звучности в сочинениях. А также создание жанра этюд-картина. Само определение «этюды-картины», которое Рахманинов дал пьесам своего нового цикла, указывает на соединение виртуозно пианистических задач с осознанным стремлением к красочному «живописанию в звуках» и конкретной характеристичности образов. Обе эти тенденции, проявившиеся уже ранее в прелюдиях, выступают здесь с еще большей определенностью и рельефностью.
Мелодии Сергея Васильевича носят лирически обобщённый характер, редко обнаруживают непосредственное сходство с определёнными жанрами народно-песенного творчества. Ярко прослеживается опора на творчество европейских композиторов-романтиков. Вокальное ощущение мелодики – ведущая черта всех жанров, в том числе и инструментальных. Мелодиям присуща широта дыхания, пластичность, гибкость.
Гармония Рахманинова очень многообразна. Характерны многотерцовые, альтерированные, субдоминантовые аккорды, полигармония, органные пункты. Знаменитая «Рахманиновская гармония» – уменьшённый вводный терцквартаккорд с квартой, разрешаемый в тонику (только в миноре).
Полифония - излюбленный способ развития в произведениях композитора. В каждом произведении присутствует подголосочная или имитационная полифония.
Фортепианное творчество С.В. Рахманинова
Фортепианные сочинения охватывают всю жизнь композитора. Рахманиновский пианизм отражает стиль большой концертной эстрады, для которого характерна масштабность форм, виртуозность, динамика, мощь, рельефность. Однако есть пьесы тончайшей, филигранной работы.
Звучащий образ фортепиано, созданный Рахманиновым, есть воплощённое переживание широты и благодати земных стихий, материального бытия.
Фортепианное творчество С.В. Рахманинова – завершение традиций европейской романтической фортепианной музыки.
На формирование фортепианного стиля Рахманинова большое влияние оказала музыка Ф. Листа, а так же могучий пианизм А.Г. Рубинштейна, творчество Ф. Шопена, напряженный лиризм П.И. Чайковского и эпический склад А.П. Бородина. Характерными чертами фортепианного стиля композитора является полнозвучие, виртуозность, сложные технические средства. В поздних сочинениях - элементы экспрессионизма и джазовых импровизаций.
Музыкальный язык - двойные ноты, трудные скачки, пассажи мелких длительностей. Опора на песенное дыхание, голос.
В музыке Рахманинова главенствует басовое звучание. Нижние голоса образуют самый выразительный, самый характерный план звучания.
Характерно также расположение мелодии в среднем, виолончельном регистре. Нисходящее движение мелодии преобладает над восходящим.
Характерной особенностью является обилие различных фигураций в мелодике и фактуре, усложняющих гармонию. Обороты гармонического и мелодического мажора и мажоро-минора, а также мажора с низкими ступенями.
Виртуозная техника – средство передачи настроения, содержания. Преобладает октавно-аккордовая пассажная техника.
Звучащий образ фортепиано, созданный Рахманиновым, есть воплощённое переживание широты и благодати земных стихий, материального бытия.
Фортепианное творчество С.В. Рахманинова – завершение традиций европейской романтической фортепианной музыки.
На формирование фортепианного стиля Рахманинова большое влияние оказала музыка Ф. Листа, а так же могучий пианизм А.Г. Рубинштейна, творчество Ф. Шопена, напряженный лиризм П.И. Чайковского и эпический склад А.П. Бородина. Характерными чертами фортепианного стиля композитора является полнозвучие, виртуозность, сложные технические средства. В поздних сочинениях - элементы экспрессионизма и джазовых импровизаций.
Музыкальный язык - двойные ноты, трудные скачки, пассажи мелких длительностей. Опора на песенное дыхание, голос.
В музыке Рахманинова главенствует басовое звучание. Нижние голоса образуют самый выразительный, самый характерный план звучания.
Характерно также расположение мелодии в среднем, виолончельном регистре. Нисходящее движение мелодии преобладает над восходящим.
Характерной особенностью является обилие различных фигураций в мелодике и фактуре, усложняющих гармонию. Обороты гармонического и мелодического мажора и мажоро-минора, а также мажора с низкими ступенями.
Виртуозная техника – средство передачи настроения, содержания. Преобладает октавно-аккордовая пассажная техника.
Рязанский губернаторский симфонический оркестр, дирижёр Сергей Оселков. 2019 год. Солист Народный артист России Николай Луганский. С.В. Рахманинов Концерт для ф-но с оркестром № 3
Романсы Сергея Васильевича Рахманинова
Романсы Рахманинова по своей популярности соперничают с его фортепианными произведениями.
Композитором написано около 80 романсов (считая юношеские, не опубликованные при жизни композитора). Его романсы опираются на глубоко демократические традиции этого жанра в русской музыке и являются своеобразным «барометром» чувств и умонастроений эпохи. Но несмотря на очевидную связь с наследием старших мастеров русского классического романса (в первую очередь П.И. Чайковского и Н.А. Римского-Корсакова), уже в ранних вокальных циклах проявляются черты самостоятельной творческой индивидуальности композитора, определяется характерная для него трактовка романсного жанра. Романсы создавались Рахманиновым параллельно с фортепианными произведениями, оказавшими большое влияние на его вокальную музыку. Поэтому наблюдается равноправие вокального и инструментального начал. Отсюда концертность, открытое яркое высказывание, соединение напряженной лирической экспрессии, широты и яркости вокальной мелодии с бережным отношением к поэтическому слову и тщательной разработкой декламационных деталей. Пианистически сложная и разнообразная фортепианная партия играет важную роль в раскрытии образа. Характерны развёрнутые постлюдии, в которых досказывается то, что не подвластно слову. Иногда партия фортепиано несёт на себе главную нагрузку в воплощении музыкально-поэтического замысла. Мир образов в романсах Рахманинова весьма широк: от особой доверительности, искренности в выражении лирических чувств и настроений, и образов русской природы, до глубокой скорби, обличительного пафоса и трагического одиночества.
Авторы поэтических текстов, к которым обращался композитор:
Поэты первой половины XIX века - А.С. Пушкин, М.Ю. Лермонтов, В.А. Жуковский, П.А. Вяземский.
Современники - К.Д. Бальмонт, И.А. Бунин, Ф.К. Сологуб, Д.С. Мережковкий.
Обращался композитор и к прозаическим текстам:
«Письмо К. С. Станиславскому от С. Рахманинова», «Мы отдохнем» из пьесы А. П. Чехова «Дядя Ваня» и «Из Евангелия от Иоанна».
Композитором написано около 80 романсов (считая юношеские, не опубликованные при жизни композитора). Его романсы опираются на глубоко демократические традиции этого жанра в русской музыке и являются своеобразным «барометром» чувств и умонастроений эпохи. Но несмотря на очевидную связь с наследием старших мастеров русского классического романса (в первую очередь П.И. Чайковского и Н.А. Римского-Корсакова), уже в ранних вокальных циклах проявляются черты самостоятельной творческой индивидуальности композитора, определяется характерная для него трактовка романсного жанра. Романсы создавались Рахманиновым параллельно с фортепианными произведениями, оказавшими большое влияние на его вокальную музыку. Поэтому наблюдается равноправие вокального и инструментального начал. Отсюда концертность, открытое яркое высказывание, соединение напряженной лирической экспрессии, широты и яркости вокальной мелодии с бережным отношением к поэтическому слову и тщательной разработкой декламационных деталей. Пианистически сложная и разнообразная фортепианная партия играет важную роль в раскрытии образа. Характерны развёрнутые постлюдии, в которых досказывается то, что не подвластно слову. Иногда партия фортепиано несёт на себе главную нагрузку в воплощении музыкально-поэтического замысла. Мир образов в романсах Рахманинова весьма широк: от особой доверительности, искренности в выражении лирических чувств и настроений, и образов русской природы, до глубокой скорби, обличительного пафоса и трагического одиночества.
Авторы поэтических текстов, к которым обращался композитор:
Поэты первой половины XIX века - А.С. Пушкин, М.Ю. Лермонтов, В.А. Жуковский, П.А. Вяземский.
Современники - К.Д. Бальмонт, И.А. Бунин, Ф.К. Сологуб, Д.С. Мережковкий.
Обращался композитор и к прозаическим текстам:
«Письмо К. С. Станиславскому от С. Рахманинова», «Мы отдохнем» из пьесы А. П. Чехова «Дядя Ваня» и «Из Евангелия от Иоанна».
Антонина Васильевна Нежданова - камерная и оперная певица, которой Рахманинов посвятил свой знаменитый "Вокализ" ор. 34 (1915)
Нина Павловна Кошиц - выдающаяся оперная певица, любимица Сергея Васильевича. Ей он посвятил целый опус № 38 шесть прославленных романсов, которые она великолепно исполняла как в России, так и за рубежом.
Надежда Ивановна Забела – замечательная певица, жена и муза великого русского художника Михаила Врубеля. В январе 1903 года впервые исполнила знаменитый романс Рахманинова "Сирень"
Александр Николаевич Скрябин (1872 – 1915)
«Я иду сказать людям, чтобы они не ожидали от жизни ничего кроме того, что сами себе могут создать… Иду сказать, что люди сильны и могучи, что горевать не о чем, что утраты нет! Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силён и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его» А.Н. Скрябин
Александр Николаевич Скрябин – гениальный русский композитор, пианист, дирижёр, педагог, представитель символизма в музыке. Философ и поэт. Один из крупнейших представителей художественной культуры конца XIX начала XX веков. Творчество Александра Николаевича, стоящее особняком в музыкальной культуре, не имело ни прямых предшественников, ни продолжателей. Личностные черты композитора обусловили новаторство не только в области музыкально-выразительных средств, но в самой сущности понимания музыки.
Музыка Александра Николаевича Скрябина – заключительная страница русской музыкальной культуры «Серебряного века».
Мало кто из художников оставил после себя столько неразрешимых загадок, мало кому удавалось за сравнительно недолгую жизнь совершить такой прорыв к новым горизонтам музыки. Александра Николаевича Скрябина называют великим мистиком среди музыкантов и величайшим музыкантом среди мистиков. В дате своего рождения (канун Рождества Христова) композитор видел первый мистический знак в своей жизни. Такие знаки будут сопровождать всю его жизнь.
Музыка Александра Николаевича Скрябина – заключительная страница русской музыкальной культуры «Серебряного века».
Мало кто из художников оставил после себя столько неразрешимых загадок, мало кому удавалось за сравнительно недолгую жизнь совершить такой прорыв к новым горизонтам музыки. Александра Николаевича Скрябина называют великим мистиком среди музыкантов и величайшим музыкантом среди мистиков. В дате своего рождения (канун Рождества Христова) композитор видел первый мистический знак в своей жизни. Такие знаки будут сопровождать всю его жизнь.
Александр Николаевич – смелый новатор, создавший свою систему образов и выразительных средств. Он первым использовал в исполнении музыки цвет, тем самым ввёл понятие «светомузыка». Являясь ярким и своеобразным мыслителем, направил все свои помыслы на переустройство человеческой личности и миропорядка в целом силами музыкального искусства.
"Свет и тьма – мистерия жизни Александра Скрябина". Документальный фильм @Телеканал Культура
Характеристика творчества А.Н. Скрябина
Александр Николаевич за свою недолгую творческую жизнь обращался исключительно к фортепианным и симфоническим жанрам. Фортепианные же произведения составляют наибольшую часть сочинений композитора.
Это произведения крупной формы – концерт, десять сонат, Фантазия си минор, поэмы: «Трагическая», «Сатанинская», «К пламени», Поэма-ноктюрн.
Наиболее многочисленную группу составляют миниатюры – прелюдии, этюды, ноктюрны, мазурки, экспромты.
Причудливо-таинственные названия носят поэмы, отражающие философские и эстетические взгляды: «Загадка», «Ирония», «Маска», «Странность» и др.
В фортепианном творчестве Скрябина происходит интенсивное развитие музыкально-выразительных средств, особенно гармонии и фактуры.
Сочинения для фортепиано отразили его творческие поиски, представляя собой предварительные наброски музыкальных образов, воплощённых впоследствии в крупных симфонических композициях.
В фортепианном творчестве композитор совершил огромный скачок от салонных пьес, до произведений экспрессионистского типа.
Это произведения крупной формы – концерт, десять сонат, Фантазия си минор, поэмы: «Трагическая», «Сатанинская», «К пламени», Поэма-ноктюрн.
Наиболее многочисленную группу составляют миниатюры – прелюдии, этюды, ноктюрны, мазурки, экспромты.
Причудливо-таинственные названия носят поэмы, отражающие философские и эстетические взгляды: «Загадка», «Ирония», «Маска», «Странность» и др.
В фортепианном творчестве Скрябина происходит интенсивное развитие музыкально-выразительных средств, особенно гармонии и фактуры.
Сочинения для фортепиано отразили его творческие поиски, представляя собой предварительные наброски музыкальных образов, воплощённых впоследствии в крупных симфонических композициях.
В фортепианном творчестве композитор совершил огромный скачок от салонных пьес, до произведений экспрессионистского типа.
Особенности фортепианного творчества
Ранний период
Близость романтической музыке XIX века, в частности творчеству П.И. Чайковского, Ф. Шопена, Ф. Листа. Одухотворённая лирика («высшая утончённость») – сдержанная, сосредоточенная, изящная (ранние фортепианные прелюдии, мазурки, вальсы, ноктюрны). Порывистые, бурно драматические образы. Музыкальная ткань лёгкая, прозрачная. Гармония с опорой на функциональность – использование классических гармонических оборотов, задержания. Метроритмическая гибкость – синкопы, триоль.
Близость романтической музыке XIX века, в частности творчеству П.И. Чайковского, Ф. Шопена, Ф. Листа. Одухотворённая лирика («высшая утончённость») – сдержанная, сосредоточенная, изящная (ранние фортепианные прелюдии, мазурки, вальсы, ноктюрны). Порывистые, бурно драматические образы. Музыкальная ткань лёгкая, прозрачная. Гармония с опорой на функциональность – использование классических гармонических оборотов, задержания. Метроритмическая гибкость – синкопы, триоль.
А.Н. Скрябин Этюд ре диез минор op.8 № 12, который входит в цикл из 12 этюдов ор. 8, созданный в 1894 году, в возрасте 22 лет. Исполняет Владимир Самуилович Горовиц
Зрелый период
Новый индивидуальный авторский стиль, заключающийся в средствах образной выразительности. На первом плане – масштабные художественно-философские концепции. Непоколебимая вера в преобразующую силу искусства, способную привести человека к свободе и свету, вера в магическую силу музыки, призванной спасти мир. Символы движения, воли (воплощение крайней активности, духовного горения). Импульсивность приобрела характер полётности – основного качества музыки А. Н. Скрябина, которая понимается как устремлённость творческой мысли к высоким жизненным идеалам.
В этот период возрастает роль мрачных, сурово-трагических образов; музыка всё больше приближается к характеру мистического священнодействия. Композитор обращается к жанру фортепианной поэмы. В музыке чувствуется тональная неустойчивость и сложные альтерированные аккорды.
Новый индивидуальный авторский стиль, заключающийся в средствах образной выразительности. На первом плане – масштабные художественно-философские концепции. Непоколебимая вера в преобразующую силу искусства, способную привести человека к свободе и свету, вера в магическую силу музыки, призванной спасти мир. Символы движения, воли (воплощение крайней активности, духовного горения). Импульсивность приобрела характер полётности – основного качества музыки А. Н. Скрябина, которая понимается как устремлённость творческой мысли к высоким жизненным идеалам.
В этот период возрастает роль мрачных, сурово-трагических образов; музыка всё больше приближается к характеру мистического священнодействия. Композитор обращается к жанру фортепианной поэмы. В музыке чувствуется тональная неустойчивость и сложные альтерированные аккорды.
А.Н. Скрябин - Поэма "К пламени" оp.72. Одно из выдающихся поздних произведений Скрябина. С необычайной рельефностью оно дает непрерывное последовательное развитие образа. Исполняет Павел Тигранович Нерсесьян.
Симфоническое творчество А.Н. Скрябина
Партитура «Прометея». Обложка Ж. Дельвиля 1911 г. Париж.
Константин Бальмонт. Звуковой зазыв (А.Н. Скрябин)
Он чувствовал симфониями света.
Он слиться звал в один плавучий храм
– Прикосновенья, звуки, фимиам
И шествия, где танцы как примета.
Проснуться в небе, грезя на земле
Рассыпав вихри искр в пронзённой мгле,
В горенье жертвы был он неослабен.
И так он вился в пламенном жерле,
Что в смерть проснулся с блеском на челе.
Безумный эльф, зазыв, звенящий Скрябин.
Симфонические произведения Александра Николаевича представлены в небольшом количестве: 3 симфонии, «Поэма экстаза», «Поэма огня» («Прометей»). Первое произведение для оркестра прелюдия "Мечты" появилось только в конце 1890-х гг. и уже в первой симфонии, написанной в 1900 году Скрябин проявляет себя ярким новатором. В каждом симфоническом произведении будет прослеживаться идея экстаза, устремлённого к неведомым космическим сферам порыва, идея преобразующей силы искусства. В «Поэме огня» он увеличит состав оркестра, введя орган и колокола, и если фортепиано в творчестве Александра Николаевича символизирует героическую личность, то оркестр – космос. В «Прометее» Скрябин полностью обновляет свой гармонический язык, отступая от традиционной тональной системы. Но особенно необычно и интересно было введение в симфоническую партитуру «Прометея» хора без слов и специальную партию света. Александр Николаевич обладал «цветным слухом», то есть особенностью, при которой музыкальные звуки вызывают у человека определенные цветовые ассоциации.
Более подробно об этом можно прочитать, пройдя по ссылке - https://www.audiomania.ru/content/art-6285.html
Более подробно об этом можно прочитать, пройдя по ссылке - https://www.audiomania.ru/content/art-6285.html
Игорь Федорович Стравинский (1882 - 1971)
«Многое в том наслаждении, которое доставляет слушание его музыки, заключается в её интеллектуальности: слушатель всегда осознаёт, что перед ним предстает великий ум – очаровывающий, острый, но, прежде всего, организованный» Гарольд Шонберг.
Игорь Фёдорович Стравинский – крупнейший композитор XX века, дирижёр и пианист. Самый противоречивый и авангардный композитор в музыкальной культуре XX века. В его творчестве сочетаются различные направления, за что современники прозвали Игоря Федоровича «человеком тысячи одного стиля». И все же у его музыки есть своё истинное лицо – русское. Все сочинения Игоря Стравинского глубоко проникнуты русским духом. В возрасте 80-ти лет композитор сказал:
"У человека одно место рождения, одна родина - и место рождения является главным фактором его жизни. Россия моя, и я люблю ее!"
Являясь выходцем из школы Н.А. Римского-Корсакова, впитал традиции русской классики – М.И. Глинки, «Могучей кучки», П.И. Чайковского, был взращён эпохой общественного подъёма и культурного расцвета России в 1900-е годы. Один из самых ярких представителей русской музыки предреволюционного десятилетия, И.Ф. Стравинский после отъезда из России стал общепризнанным лидером зарубежной музыки и в значительной мере определил музыкальный процесс XX века.
"У человека одно место рождения, одна родина - и место рождения является главным фактором его жизни. Россия моя, и я люблю ее!"
Являясь выходцем из школы Н.А. Римского-Корсакова, впитал традиции русской классики – М.И. Глинки, «Могучей кучки», П.И. Чайковского, был взращён эпохой общественного подъёма и культурного расцвета России в 1900-е годы. Один из самых ярких представителей русской музыки предреволюционного десятилетия, И.Ф. Стравинский после отъезда из России стал общепризнанным лидером зарубежной музыки и в значительной мере определил музыкальный процесс XX века.
Характеристика творчества
Игоря Федоровича Стравинского
Игоря Федоровича Стравинского
Пабло Пикассо. Портрет И. Ф. Стравинского. 1920 г.
Творчество И.Ф. Стравинского – это живая история музыки XX столетия с её многообразием художественных исканий, стилистических переломов. Стравинского связывали узы дружбы и приятельства со многими известными людьми из мира искусства, литературы, кино – композиторами Клодом Дебюсси, Морисом Равелем, Эриком Сати, писателем Марселем Прустом, художником Пабло Пикассо, актёром Чарли Чаплиным, модельером Коко Шанель, кинорежиссёром Уолтом Диснеем и др.
Игорь Федорович занимал антиромантическую позицию. Считал, что романтизм уводит от верного представления о мире. Эталонными для него являлись эпохи, предшествовавшие романтизму, особенно барокко. Неоклассицизм Стравинского является универсальным, не связанным с какой-либо одной национальной традицией.
Был приверженцем эстетики «чистого» искусства (направление в искусстве, основанное на представлении об искусстве как о божественном источнике Добра, Любви и Красоты). В жанре оперы предпочитал жанр номерной оперы. Обращался к технике старинной полифонии, додекафонной технике письма и джазовой импровизации.
Творчество И.Ф. Стравинского – это живая история музыки XX столетия с её многообразием художественных исканий, стилистических переломов. Стравинского связывали узы дружбы и приятельства со многими известными людьми из мира искусства, литературы, кино – композиторами Клодом Дебюсси, Морисом Равелем, Эриком Сати, писателем Марселем Прустом, художником Пабло Пикассо, актёром Чарли Чаплиным, модельером Коко Шанель, кинорежиссёром Уолтом Диснеем и др.
Игорь Федорович занимал антиромантическую позицию. Считал, что романтизм уводит от верного представления о мире. Эталонными для него являлись эпохи, предшествовавшие романтизму, особенно барокко. Неоклассицизм Стравинского является универсальным, не связанным с какой-либо одной национальной традицией.
Был приверженцем эстетики «чистого» искусства (направление в искусстве, основанное на представлении об искусстве как о божественном источнике Добра, Любви и Красоты). В жанре оперы предпочитал жанр номерной оперы. Обращался к технике старинной полифонии, додекафонной технике письма и джазовой импровизации.
Работал в жанрах: балет, опера, симфония, кантата, оратория, оркестровая, камерная, хоровая и фортепианная музыка.
Периоды творчества композитора можно разделить на три:
Периоды творчества композитора можно разделить на три:
- Первый, русский период (1908 – 1920 гг.) – обращение к древнейшим и современным ему темам русского фольклора. Ритуальные и обрядовые образы. Господство русской тематики: народная сказка, языческая обрядовость, городские бытовые сцены.
- Второй период, неоклассический (до начала 1950-х годов) – обращение к античной мифологии и библейским образам.
- Третий, поздний период (с начала 1950-х годов) – преобладание религиозной тематики. Возвращение к истокам – образам, олицетворяющим далёкое русское прошлое.
Балет "Петрушка" или "Потешные сцены в четырёх картинах"
Балет "Петрушка" – первая русская музыкально-хореографическая драма. Балет написан специально для "Русских сезонов" в период с 1910 по 1911 год. В балете, как и в жизни, сплетаются веселье и грусть, радость и отчаяние, и все эти чувства выражаются в едином хороводе танца. Это балет о свободе и несвободе личности, о борьбе страдающей одинокой души против окружающей всеобщей бездуховности.
Идея создания балета принадлежит С.П. Дягилеву.
Либретто Александра Бенуа, Игоря Стравинского, Сергея Дягилева.
Постановка Михаила Фокина.
Художник Александр Бенуа.
Первое представление: Париж, театр Шатле, 13 июня 1911 года. Дирижёр Пьер Монтё.
Идея создания балета принадлежит С.П. Дягилеву.
Либретто Александра Бенуа, Игоря Стравинского, Сергея Дягилева.
Постановка Михаила Фокина.
Художник Александр Бенуа.
Первое представление: Париж, театр Шатле, 13 июня 1911 года. Дирижёр Пьер Монтё.
Вацлав Нижинский – первый исполнитель партии Петрушки
Тамара Карсавина – первая исполнительница партии Балерины
Михаил Фокин – первый постановщик балета
Становление советской музыкальной культуры XX века
Октябрьская революция 1917 года внесла коренные изменения в судьбу России. Привычный, устоявшийся мир рухнул. Начались интенсивные радикальные реформы во всех сферах – политической, социальной, экономической, культурной. Как жизнь, так и искусство в то время были полны противоречий. С одной стороны, революция считала себя призванной направлять помыслы людей на преобразование жизни, на воспитание высоких душевных качеств человека, ставила своей задачей сделать ценности мировой и отечественной культуры достоянием широких народных масс. С другой же - разрушались храмы, памятники, уничтожались богатейшие библиотеки, художественные коллекции. Многие видные деятели искусства, науки, философы были либо сосланы, либо расстреляны, либо эмигрировали. Уехали за рубеж и многие русские музыканты и композиторы – Рахманинов, Зилоти, Шаляпин, Гречанинов. С начала первой мировой войны – Стравинский. Более 15-ти лет провел в отрыве от родины Прокофьев.
Но все же первоочередным делом государственной важности была признана миссия воспитания и образования. Народный комиссариат просвещения (Наркомпросс),который был образован в 1918 году, контролировал образование, науку, музеи, театры и кино, творческие объединения, международные культурные связи и др. Главой Наркомпросса (Наркомом просвещения) стал А.В. Луначарский – писатель, переводчик, публицист, критик, искусствовед. Достижение Наркомпросса – реформа музыкального образования – создание трёхступенчатой системы: музыкальная школа – училище – консерватория, ставшей базовой моделью музыкального образования в советское время.
Характерной чертой отечественной музыкальной культуры стала ее массовость. Массовость привела к возникновению различных организаций, например, организация начала 1920-х годов – Пролетарская культурно-просветительская организация (ПролетКульт). Пролеткульт решал две задачи – разрушить старую дворянскую культуру и создать новую пролетарскую культуру, основанную на пафосе коллективизма. Идеология Пролеткульта нанесла серьёзный ущерб художественному развитию страны, отрицая культурное наследие прошлого. А также, Российская ассоциация пролетарских музыкантов (РАПМ) - идейный наследник Пролеткульта. Просуществовала с 1923 по 1932 годы. Ассоциация современной музыки (АСМ) - альтернативная композиторская организация, ориентированная на музыкальный авангард, в которую входили Д.Д. Шостакович, Н.Я. Мясковский, Б.В. Асафьев, В.Я. Шебалин. В 1932 году был образован Союз советских композиторов, который положил начало объединению музыкантов на основе метода социалистического реализма. Социалистический реализм – основной творческий метод во всех видах искусства. Сущность метода: формирование и укрепление средствами искусства идеализированного образа советской действительности. Музыкальные произведения должны были быть оптимистическими, простыми по музыкальному языку, иметь в своей основе песенные, легко запоминающиеся мелодии.
Советские композиторы-классики: Н.Я. Мясковский, Р.М. Глиэр, М.М. Ипполитов-Иванов, С.С. Прокофьев, Д.Д. Шостакович, Ю.А. Шапорин, А.А. Александров, В.Я. Шебалин, А.И. Хачатурян, Д.Б. Кабалевский, Г.В. Свиридов.
Композиторы-песенники: Исаак Дунаевский, Дмитрий Покрасс, Александр Александров, Владимир Захаров, Матвей Блантер, Дмитрий Кабалевский, Никита Богословский и др.
Дирижёры: Михаил Климов, Николай Данилин, Александр Свешников, Николай Голованов, Вячеслав Сук, Самуил Самосуд, Александр Гаук, Константин Иванов, Евгений Мравинский.
Пианисты: Эмиль Гилельс, Генрих Нейгауз, Яков Зак, Яков Флиер, Лев Оборин и др.
Скрипачи: Давид Ойстрах, Марина Козолупова и др.
Виолончелисты: Святослав Кнушевицкий, Семён Козолупов и др.
Певцы: Антонина Нежданова, Надежда Обухова, Иван Козловский, Сергей Лемешев, Иван Петров, Александр Пирогов, Марк Рейзен и др.
Балетмейстеры: Леонид Лавровский, Ростислав Захаров, Георгий Баланчивадзе (Джорж Баланчин) и др.
Артисты балета: Галина Уланова, Вахтанг Чабукиани, Ольга Лепешинская, Марина Семёнова, Раиса Стручкова, Наталья Дудинская, Владимир Преображенский, Константин Сергеев и др.
Большой и сложный путь прошла отечественная музыка за минувшее столетие. На протяжении всего столетия происходил интенсивный процесс развития, обновления музыкальных жанров, музыкально-выразительных средств. Но, тем не менее, отечественная музыка опиралась на традиции русской и мировой музыкальной классики. Все это позволило ей занять достойное место в мировой музыкальной культуре 20 века.
Но все же первоочередным делом государственной важности была признана миссия воспитания и образования. Народный комиссариат просвещения (Наркомпросс),который был образован в 1918 году, контролировал образование, науку, музеи, театры и кино, творческие объединения, международные культурные связи и др. Главой Наркомпросса (Наркомом просвещения) стал А.В. Луначарский – писатель, переводчик, публицист, критик, искусствовед. Достижение Наркомпросса – реформа музыкального образования – создание трёхступенчатой системы: музыкальная школа – училище – консерватория, ставшей базовой моделью музыкального образования в советское время.
Характерной чертой отечественной музыкальной культуры стала ее массовость. Массовость привела к возникновению различных организаций, например, организация начала 1920-х годов – Пролетарская культурно-просветительская организация (ПролетКульт). Пролеткульт решал две задачи – разрушить старую дворянскую культуру и создать новую пролетарскую культуру, основанную на пафосе коллективизма. Идеология Пролеткульта нанесла серьёзный ущерб художественному развитию страны, отрицая культурное наследие прошлого. А также, Российская ассоциация пролетарских музыкантов (РАПМ) - идейный наследник Пролеткульта. Просуществовала с 1923 по 1932 годы. Ассоциация современной музыки (АСМ) - альтернативная композиторская организация, ориентированная на музыкальный авангард, в которую входили Д.Д. Шостакович, Н.Я. Мясковский, Б.В. Асафьев, В.Я. Шебалин. В 1932 году был образован Союз советских композиторов, который положил начало объединению музыкантов на основе метода социалистического реализма. Социалистический реализм – основной творческий метод во всех видах искусства. Сущность метода: формирование и укрепление средствами искусства идеализированного образа советской действительности. Музыкальные произведения должны были быть оптимистическими, простыми по музыкальному языку, иметь в своей основе песенные, легко запоминающиеся мелодии.
Советские композиторы-классики: Н.Я. Мясковский, Р.М. Глиэр, М.М. Ипполитов-Иванов, С.С. Прокофьев, Д.Д. Шостакович, Ю.А. Шапорин, А.А. Александров, В.Я. Шебалин, А.И. Хачатурян, Д.Б. Кабалевский, Г.В. Свиридов.
Композиторы-песенники: Исаак Дунаевский, Дмитрий Покрасс, Александр Александров, Владимир Захаров, Матвей Блантер, Дмитрий Кабалевский, Никита Богословский и др.
Дирижёры: Михаил Климов, Николай Данилин, Александр Свешников, Николай Голованов, Вячеслав Сук, Самуил Самосуд, Александр Гаук, Константин Иванов, Евгений Мравинский.
Пианисты: Эмиль Гилельс, Генрих Нейгауз, Яков Зак, Яков Флиер, Лев Оборин и др.
Скрипачи: Давид Ойстрах, Марина Козолупова и др.
Виолончелисты: Святослав Кнушевицкий, Семён Козолупов и др.
Певцы: Антонина Нежданова, Надежда Обухова, Иван Козловский, Сергей Лемешев, Иван Петров, Александр Пирогов, Марк Рейзен и др.
Балетмейстеры: Леонид Лавровский, Ростислав Захаров, Георгий Баланчивадзе (Джорж Баланчин) и др.
Артисты балета: Галина Уланова, Вахтанг Чабукиани, Ольга Лепешинская, Марина Семёнова, Раиса Стручкова, Наталья Дудинская, Владимир Преображенский, Константин Сергеев и др.
Большой и сложный путь прошла отечественная музыка за минувшее столетие. На протяжении всего столетия происходил интенсивный процесс развития, обновления музыкальных жанров, музыкально-выразительных средств. Но, тем не менее, отечественная музыка опиралась на традиции русской и мировой музыкальной классики. Все это позволило ей занять достойное место в мировой музыкальной культуре 20 века.
Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 - 1953)
"Кардинальным достоинством, (или, если хотите, недостатком) моей жизни всегда были поиски оригинального, своего музыкального языка. Я ненавижу подражание, я ненавижу избитые приемы..." С.С. Прокофьев
Сергей Сергеевич Прокофьев – один из крупнейших, значительных и самых исполняемых композиторов XX века, пианист и дирижёр.
Сергей Сергеевич вошёл в историю как композитор-новатор, мастер музыкального театра, создатель нового музыкального языка.
Разносторонне одаренный композитор был блестящим шахматистом. «Шахматы – это музыка мысли» – один из его самых известных афоризмов. Однажды ему даже удалось выиграть партию
у чемпиона мира по шахматам Х.-Р. Капабланки.
Прокофьева называют «единственным гением» ХХ века.
Творчество Сергея Сергеевича часто называют солнечным, оптимистичным, жизнерадостным, а самого композитора "поэтом радости".
Сергей Сергеевич вошёл в историю как композитор-новатор, мастер музыкального театра, создатель нового музыкального языка.
Разносторонне одаренный композитор был блестящим шахматистом. «Шахматы – это музыка мысли» – один из его самых известных афоризмов. Однажды ему даже удалось выиграть партию
у чемпиона мира по шахматам Х.-Р. Капабланки.
Прокофьева называют «единственным гением» ХХ века.
Творчество Сергея Сергеевича часто называют солнечным, оптимистичным, жизнерадостным, а самого композитора "поэтом радости".
Характеристика творчества С.С. Прокофьева
Творчество Сергея Сергеевича Прокофьева обогатило музыкальное искусство в области содержания, музыкального языка, средств выразительности. Эмоциональность, экспрессия, энергия ритма, резкость звучания были вызваны острым ощущением современности, потребностью выразить дух новой эпохи.
Отличительной чертой музыки композитора является синтез типичного и индивидуального, сложного и простого.
Полет его фантазии беспределен: остроумная шутка, заразительный юмор; нежная лирика, поэтические образы детства и суровый драматизм находят отражение в произведениях Прокофьева.
Композитор писал музыку в самых различных жанрах: оперы, балеты, симфонии, концерты, сонаты, сюиты, песни, кантаты, а также музыку для театра и кино. В своем творчестве Сергей Сергеевич использовал нетрадиционные сюжеты в операх и балетах.
Литературной основой сочинений стали произведения Ф.М. Достоевского, В. Шекспира, Г.Х Андерсена, Ш. Перро, П.П. Бажова, Р. Шеридана, К. Гоцци, В.Я. Брюсова, Л.Н. Толстого, В.П. Катаева.
Обладая литературным талантом композитор был охарактеризован как музыкальный писатель. Это проявилось в «Автобиографии», «Дневнике», рассказах, часто Сергей Сергеевич сам писал либретто своих сочинений.
Отличительной чертой музыки композитора является синтез типичного и индивидуального, сложного и простого.
Полет его фантазии беспределен: остроумная шутка, заразительный юмор; нежная лирика, поэтические образы детства и суровый драматизм находят отражение в произведениях Прокофьева.
Композитор писал музыку в самых различных жанрах: оперы, балеты, симфонии, концерты, сонаты, сюиты, песни, кантаты, а также музыку для театра и кино. В своем творчестве Сергей Сергеевич использовал нетрадиционные сюжеты в операх и балетах.
Литературной основой сочинений стали произведения Ф.М. Достоевского, В. Шекспира, Г.Х Андерсена, Ш. Перро, П.П. Бажова, Р. Шеридана, К. Гоцци, В.Я. Брюсова, Л.Н. Толстого, В.П. Катаева.
Обладая литературным талантом композитор был охарактеризован как музыкальный писатель. Это проявилось в «Автобиографии», «Дневнике», рассказах, часто Сергей Сергеевич сам писал либретто своих сочинений.
Композитор стремился к общечеловеческим идеям и темам, образам истории, светлым, реалистически-конкретным музыкальным характерам. Особенно углубилась эта линия творчества в 40-е гг. в связи с тяжелыми испытаниями, выпавшими на долю советского народа в годы войны. Раскрытие ценностей человеческого духа, глубокие художественные обобщения становятся главным стремлением Прокофьева: «Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему. Таков с моей точки зрения незыблемый кодекс искусства».
Фортепианное творчество С.С. Прокофьева
Прокофьев - самобытный пианист-виртуоз. Свои смелые творческие замыслы он воплощал в оригинальном новаторском фортепианном стиле. Музыку для фортепиано он писал на протяжении всей жизни (первые сочинения появились в детские годы, а над последним он работал накануне смерти). Именно в фортепианной музыке формировался стиль композитора.
Развивая традиции русских композиторов 19 века, в первую очередь "кучкистов", он не забывал и о европейской музыке.
Особенно ему нравились классики 18 века: Доменико Скарлатти, Йозеф Гайдн и Вольфганг Моцарт. При этом он творчески переосмысливал традиции: "Я всегда чувствовал потребность самостоятельного мышления и следования своим собственным идеям". Новизна фортепианных сочинений Прокофьева была столь велика, что большинство современников поначалу его не воспринимали. Он сочинял программную музыку с необычными названиями: "Призрак", "Наваждение", "Мысли"; пьесы в старинных танцевальных жанрах: бурре, ригодон, аллеманда, гавот, менуэт; музыку в традиционных жанрах: этюд, прелюдия, токката, скерцо; музыку в танцевальных жанрах 19 века: вальс, мазурка. Есть у композитора фортепианные циклы: "Сарказмы", "Мимолетности", "Сказки старой бабушки", "Детская музыка", сюиты из балетов "Ромео и Джульетта" и "Золушка", 9 сонат, 3 сонатины и 5 концертов с оркестром.
Развивая традиции русских композиторов 19 века, в первую очередь "кучкистов", он не забывал и о европейской музыке.
Особенно ему нравились классики 18 века: Доменико Скарлатти, Йозеф Гайдн и Вольфганг Моцарт. При этом он творчески переосмысливал традиции: "Я всегда чувствовал потребность самостоятельного мышления и следования своим собственным идеям". Новизна фортепианных сочинений Прокофьева была столь велика, что большинство современников поначалу его не воспринимали. Он сочинял программную музыку с необычными названиями: "Призрак", "Наваждение", "Мысли"; пьесы в старинных танцевальных жанрах: бурре, ригодон, аллеманда, гавот, менуэт; музыку в традиционных жанрах: этюд, прелюдия, токката, скерцо; музыку в танцевальных жанрах 19 века: вальс, мазурка. Есть у композитора фортепианные циклы: "Сарказмы", "Мимолетности", "Сказки старой бабушки", "Детская музыка", сюиты из балетов "Ромео и Джульетта" и "Золушка", 9 сонат, 3 сонатины и 5 концертов с оркестром.
Токката ре-минор вызвала бурное негодование сторонников романтической музыки и одновременно восторг приверженцев нового. "Прокофьев на днях сочинил шутку, от которой я совершенно без ума, - писал Мясковский, - фортепианную токкату. Чертовски остроумно, колко, энергично и характерно... не могу удержаться от вопля восторга". Исполняет Рябков Павел.
Десять пьес-транскрипций из балета "Ромео и Джульетта" (ор. 75, 1937) были первым сборником фортепианных обработок Прокофьева. Они выросли из симфонических сюит ор. 64, написанных композитором в 1936 году, на основе балета "Ромео и Джульетта". Послушайте пьесу под названием "Маски" в исполнении пианиста-виртуоза Ивана Бессонова.
Сюиты и фортепианные пьесы Прокофьев создает после того, как театры отказываются от постановки балета; многие театральные деятели считали музыку Прокофьева слишком сложной и чуть ли не противоречащей требованиям танцевальности. "Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете" - съязвил тогда кто-то из слушателей этой музыки. Вот что пишет С. Прокофьев по этому поводу: "Из балета я сделал две симфонические сюиты, по семь частей в каждой. По ходу действия одна не представляет продолжения другой; обе сюиты развиваются как бы параллельно. Некоторые номера сюиты перешли без изменений из балета, другие скомпонованы из материалов, взятых из разных мест. Эти две сюиты не покрывают всей музыки, и мне, вероятно, удастся сделать третью. Кроме сюит, я сделал сборник пьес для фортепиано, выбрав туда те моменты "Ромео и Джульетты", которые лучше поддавались транскрипции"
С.С. Прокофьев Балет "Ромео и Джульетта"
"Ромео и Джульетта" - балет нового типа. Прокофьев осуществил в балете синтез драмы, музыки и хореографии. Опираясь на традиции классического балета, композитор внес свое понимание танцевальности, обновил музыкальные формы, драматургию балета, использовал оперные и симфонические принципы, которые помогли наиболее полно раскрыть характер героев. Балет написан на сюжет трагедии великого английского драматурга Уильяма Шекспира. В основе трагедии В. Шекспира лежат реальные события. Несчастная история любви двух подростков из враждующих благородных семей, которая случилась в самом начале XIII столетия.
В первом варианте балета, представленного С.С. Прокофьевым Большому театру, был счастливый финал. Однако такое вольное обращение с шекспировской трагедией вызвало массу споров, в результате чего композитор сочинил трагическое окончание.
Сергей Сергеевич работал над балетом в течении двух лет (1935-1936) по заказу Большого театра. Хотя впервые разговоры о нем возникли еще ранее в 1934 году в Ленинградском театре оперы и балета им. Кирова (ныне Мариинский театр).
Премьера состоялась 30 декабря 1938 года в Чехословакии, в городе Брно. У нас в стране балет был поставлен 11 января 1940 года в Ленинграде в театре оперы и балета им. Кирова.
Более подробно о балете можно узнать, пройдя по ссылке -Прокофьев. Балет «Ромео и Джульетта» (Romeo and Juliet) | Belcanto.ru
В первом варианте балета, представленного С.С. Прокофьевым Большому театру, был счастливый финал. Однако такое вольное обращение с шекспировской трагедией вызвало массу споров, в результате чего композитор сочинил трагическое окончание.
Сергей Сергеевич работал над балетом в течении двух лет (1935-1936) по заказу Большого театра. Хотя впервые разговоры о нем возникли еще ранее в 1934 году в Ленинградском театре оперы и балета им. Кирова (ныне Мариинский театр).
Премьера состоялась 30 декабря 1938 года в Чехословакии, в городе Брно. У нас в стране балет был поставлен 11 января 1940 года в Ленинграде в театре оперы и балета им. Кирова.
Более подробно о балете можно узнать, пройдя по ссылке -Прокофьев. Балет «Ромео и Джульетта» (Romeo and Juliet) | Belcanto.ru
Галина Уланова - первая исполнительница партии Джульетты. Ее роль в балете трудно переоценить, ведь она первая поняла музыку Прокофьева. Для самой артистки образ Джульетты стал едва ли не вершиной ее творческой судьбы.
Константин Сергеев - первый исполнитель партии Ромео, был превосходным партнером Улановой в постановках Ленинградского театра оперы и балета им. Кирова.
В 1946 году, когда в Большой театр перешли и Лавровский, и Уланова, постановку 1940 года бережно «перенесли» в Москву. Партнером Улановой стал Михаил Габович.
В 1954 году режиссерами Леонидом Лавровским и Львом Арнштамом был снят фильм-балет "Ромео и Джульетта" с участием Галины Улановой и Юрия Жданова в роли Ромео.
Константин Сергеев - первый исполнитель партии Ромео, был превосходным партнером Улановой в постановках Ленинградского театра оперы и балета им. Кирова.
В 1946 году, когда в Большой театр перешли и Лавровский, и Уланова, постановку 1940 года бережно «перенесли» в Москву. Партнером Улановой стал Михаил Габович.
В 1954 году режиссерами Леонидом Лавровским и Львом Арнштамом был снят фильм-балет "Ромео и Джульетта" с участием Галины Улановой и Юрия Жданова в роли Ромео.
Галина Уланова и Юрий Жданов
Константин Сергеев
Галина Уланова и Михаил Габович
Сергей Сергеевич первым воплотил в балете трагедию У. Шекспира – легендарную историю о любви, о противопоставлении добра и зла, о роковой вражде между двумя семьями, дикость средневекового уклада жизни, приведшей к гибели главных героев. Образ Джульетты – самый сложный образ в балете. В номере «Джульетта-девочка» представлен характер и облик героини, транформация характера, предсказана её дальнейшая судьба. Три темы Джульетты, раскрывающие её характер, так же, как и темы любви, легли в основу симфонического развития балета: первая – изящная, шаловливая; вторая – элегантная и напевная; третья звучит как неясное предчувствие, лирическое томление.
Сергей Прокофьев балет "Ромео и Джульетта" в постановке Мариинского театра 2013 год.
Дирижёр: Валерий Гергиев.
Режиссёр-хореограф: Леонид Лавровский
Дирижёр: Валерий Гергиев.
Режиссёр-хореограф: Леонид Лавровский
Кантата "Александр Невский" Сергея Прокофьева
В начале 1938 года крупнейший советский кинорежиссер Сергей Эйзенштейн задумал большой звуковой фильм об Александре Невском. В качестве автора музыки он решил привлечь Прокофьева, с которым был хорошо знаком еще с 20-х годов. «Будучи давнишним поклонником его замечательного режиссерского таланта, я с удовольствием принял предложение», - вспоминал композитор. Вскоре он отправился в свою последнюю заграничную поездку, и в Голливуде специально изучил технику музыкального оформления фильмов. По возвращении из поездки Прокофьев принялся за работу. Она протекала в самом тесном содружестве с Эйзенштейном. Это творческое содружество было основано на безграничном доверии художников друг к другу. Прокофьев убедился, что прославленный режиссер «оказался очень тонким музыкантом», Эйзенштейна же поражала способность Прокофьева мгновенно заражаться зрительным впечатлением и передавать в музыке сущность художественного образа, запечатленного на пленке. «Назавтра он пришлет мне музыку, которая... звуковым контрапунктом будет пронизывать мою монтажную структуру, закон строения которой он уносит в той ритмической фигуре, которую отстукивали его пальцы», — говорил режиссер, вспоминая, как Прокофьев во время отсмотра снятых эпизодов отстукивал пальцами какие-то сложные ритмические построения на ручке кресла. Текст к вокальным фрагментам писал частично сам Прокофьев, частично поэт Владимир Луговской (1901—1957).
Фильм «Александр Невский» вышел на экраны 1 декабря 1938 года и сразу завоевал колоссальный успех. Этот успех натолкнул композитора на мысль написать на материалах музыки к фильму кантату. Зиму 1938-1939 года он посвятил этой работе. 17 мая 1939 года прошла премьера кантаты в Большом зале Московской консерватории.
Кантата предназначена для меццо-сопрано, смешанного хора и симфонического оркестра. Состоит из 7 частей:
1. «Русь под игом монгольским».
2. «Песня об Александре Невском»
3. «Крестоносцы во Пскове»
4. «Вставайте, люди русские!»
5. «Ледовое побоище»
6. «Мёртвое поле»
7. «Въезд Александра Невского во Псков»
Фильм «Александр Невский» вышел на экраны 1 декабря 1938 года и сразу завоевал колоссальный успех. Этот успех натолкнул композитора на мысль написать на материалах музыки к фильму кантату. Зиму 1938-1939 года он посвятил этой работе. 17 мая 1939 года прошла премьера кантаты в Большом зале Московской консерватории.
Кантата предназначена для меццо-сопрано, смешанного хора и симфонического оркестра. Состоит из 7 частей:
1. «Русь под игом монгольским».
2. «Песня об Александре Невском»
3. «Крестоносцы во Пскове»
4. «Вставайте, люди русские!»
5. «Ледовое побоище»
6. «Мёртвое поле»
7. «Въезд Александра Невского во Псков»
СЕРГЕЙ ПРОКОФЬЕВ И СЕРГЕЙ ЭЙЗЕНШТЕЙН В ПЕРИОД РАБОТЫ НАД ФИЛЬМОМ "АЛЕКСАНДР НЕВСКИЙ"
ФИЛЬМ И МУЗЫКА К НЕМУ ВОССОЗДАЛИ НА ЭКРАНЕ ГЕРОИЧЕСКУЮ БОРЬБУ ДРУЖИНЫ АЛЕКСАНДРА НЕВСКОГО С ТЕВТОНСКИМИ РЫЦАРЯМИ-КРЕСТОНОСЦАМИ.
ФИЛЬМ И МУЗЫКА К НЕМУ ВОССОЗДАЛИ НА ЭКРАНЕ ГЕРОИЧЕСКУЮ БОРЬБУ ДРУЖИНЫ АЛЕКСАНДРА НЕВСКОГО С ТЕВТОНСКИМИ РЫЦАРЯМИ-КРЕСТОНОСЦАМИ.
Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 - 1975)
«Любите и изучайте великое искусство музыки: оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче, чище, совершеннее. Благодаря музыке, вы найдете в себе новые, неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках» Д.Д. Шостакович
Дмитрий Дмитриевич Шостакович – величайший русский и советский композитор, пианист, музыкально-общественный деятель, педагог, профессор, доктор искусствоведения.
Музыка Шостаковича отличается глубиной, богатством образного содержания.
Дмитрий Дмитриевич воплотил в музыке острейшие конфликты современного мира.
Основной темой творчества является внутренний мир человека с его мыслями, устремлениями и сомнениями, человека, борющегося против насилия и зла.
Многоплановое творчество композитора, работавшего практически во всех музыкальных жанрах, стало классикой советской, русской и мировой культур.
Музыка Шостаковича отличается глубиной, богатством образного содержания.
Дмитрий Дмитриевич воплотил в музыке острейшие конфликты современного мира.
Основной темой творчества является внутренний мир человека с его мыслями, устремлениями и сомнениями, человека, борющегося против насилия и зла.
Многоплановое творчество композитора, работавшего практически во всех музыкальных жанрах, стало классикой советской, русской и мировой культур.
Характеристика творчества Д.Д. Шостаковича
«Музыка Шостаковича – это мир глубоких мыслей, это гимн Человеку, это протест против жестокости, это исповедь, это летопись нашей жизни» Р. К. Щедрин
В творчестве Д.Д. Шостаковича ярко воплотился ХХ век со всеми его катаклизмами, войнами, грандиозными социальными потрясениями. Шостакович – художник универсального дарования. Нет ни одного жанра, где бы он не сказал своего веского слова. Вплотную соприкоснулся он и с тем родом музыки, который порой высокомерно третировался серьезными музыкантами. Он – автор ряда песен, подхваченных массами людей, и поныне восхищают его блестящие обработки популярной и джазовой музыки, которой он особенно увлекался в пору становления стиля – в 20-30-е гг.
Основные жанры творчества: оперы, оратории, хоровые поэмы, камерные инструментальные произведения (квартеты, квинтет, трио), камерные вокальные циклы, концерты, сонаты, песни, музыка для кинофильмов.
Но главной областью приложения творческих сил для него стала симфония.
Шостакович - новатор:
Дмитрий Дмитриевич – выдающийся мастер полифонии.
В своих произведениях применял различные формы полифонии (фуги, пассакальи) и полифонические приёмы развития (имитацию, канон).
В творчестве Д.Д. Шостаковича ярко воплотился ХХ век со всеми его катаклизмами, войнами, грандиозными социальными потрясениями. Шостакович – художник универсального дарования. Нет ни одного жанра, где бы он не сказал своего веского слова. Вплотную соприкоснулся он и с тем родом музыки, который порой высокомерно третировался серьезными музыкантами. Он – автор ряда песен, подхваченных массами людей, и поныне восхищают его блестящие обработки популярной и джазовой музыки, которой он особенно увлекался в пору становления стиля – в 20-30-е гг.
Основные жанры творчества: оперы, оратории, хоровые поэмы, камерные инструментальные произведения (квартеты, квинтет, трио), камерные вокальные циклы, концерты, сонаты, песни, музыка для кинофильмов.
Но главной областью приложения творческих сил для него стала симфония.
Шостакович - новатор:
- Использует героические интонации песен революционной борьбы, песен политической каторги и ссылки, советской массовой песни.
- Вводит инструментальную речитативность: гневное восклицание, шёпот, скорбный возглас, стон, насмешливый хохот.
- Часто применяет пониженные (реже повышенные) ступеней звукоряда, которые образуют новые лады (напр. натуральный минор с пониженными IV, II, V ступенями).
Дмитрий Дмитриевич – выдающийся мастер полифонии.
В своих произведениях применял различные формы полифонии (фуги, пассакальи) и полифонические приёмы развития (имитацию, канон).
Д.Д. Шостакович Симфония № 7 "Ленинградская"
«Седьмая симфония посвящена торжеству человеческого в человеке. Постараемся (хотя бы отчасти) проникнуть в путь музыкального мышления Шостаковича — в грозные темные ночи Ленинграда, под грохот разрывов, в зареве пожаров, оно привело его к написанию этого откровенного произведения. Седьмая симфония возникла из совести русского народа, принявшего без колебания смертный бой с черными силами. Написанная в Ленинграде, она выросла до размеров большого мирового искусства, понятного на всех широтах и меридианах, потому что она рассказывает правду о человеке в небывалую годину его бедствий и испытаний. Симфония прозрачна в своей огромной сложности, она и сурова, и по-мужски лирична, и вся летит в будущее, раскрывающееся за рубежом победы человека над зверем..." – сказал Алексей Толстой.
Необычна история создания этой симфонии. Примерно в конце 30-х или в 1940 году, еще до начала Великой Отечественной войны Шостакович написал вариации на неизменную тему – пассакалью, сходную по замыслу с "Болеро" Равеля. Тема простая, как бы приплясывающая, развивалась на фоне сухого стука малого барабана и разрасталась до огромной мощи. Сначала она звучала безобидно, даже несколько фривольно, но вырастала в страшный символ подавления. Композитор отложил это сочинение, не исполнив и не опубликовав его. Позднее эта тема станет знаменитой темой "нашествия" в первой части симфонии.
Подробнее прочитать о симфонии можно по ссылке - https://www.belcanto.ru/s_shostakovich_7.html
Необычна история создания этой симфонии. Примерно в конце 30-х или в 1940 году, еще до начала Великой Отечественной войны Шостакович написал вариации на неизменную тему – пассакалью, сходную по замыслу с "Болеро" Равеля. Тема простая, как бы приплясывающая, развивалась на фоне сухого стука малого барабана и разрасталась до огромной мощи. Сначала она звучала безобидно, даже несколько фривольно, но вырастала в страшный символ подавления. Композитор отложил это сочинение, не исполнив и не опубликовав его. Позднее эта тема станет знаменитой темой "нашествия" в первой части симфонии.
Подробнее прочитать о симфонии можно по ссылке - https://www.belcanto.ru/s_shostakovich_7.html